Имена в истории искусства

Имена в истории искусства.md

Имена в истории искусства

Исторические эпохи по порядку. Эпохи в искусстве по порядку
Топ-10 самых известных художников мира
Великие женские имена в истории искусства (Фото)

Чёрное на зелёном,красном и жёлтом. Процесс создания картины часто происходил публично: Леже Девушка с цветком. Пикассо Три музыканта Бугро Отдых во время жатвы. Мариани Рука, ведомая разумом. Явившись результатом отрицания модернизма т. Принцип сделанности — главное положение Аналитического Искусства. Татьяна Глебова Цветовой вывод. Павел Филонов, Татьяна Глебова, Алиса Порет, Михаил Цибасов, Софья Заклиновская, Павел Зальцман, Павел Кондратьев, Борис Гурвич, Николай Евграфов, Всеволод Сулимо-Самуйлло, Юрий Хржановский. Искусство андеграунда, проникнутое духом диссидентства. Отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период это понятие приобрело несколько иной смысл и более политизированные формы: С середины х до конца х гг. Ромашко и другие с г. В русле андеграунда развивалось творчество художников, не примкнувших ни к каким объединениям В. Шемякин , а представителей соц-арта Э. После краха политической системы Советского Союза, а вместе с ней снятия ограничений и запретов на свободу художественного творчества, андеграунд как явление культурной жизни сошел на нет. Лев Кропивницкий, Любовь Мастеркова, Оскар Рабин, Илья Кабаков, Эрнст Неизвестный, Юрий Соболев, Юло Соостер, Кирилл Звездочетов, Михаил Шемякин, Анатолий Зверев, Вадим Сидур, Виталий Комар, Александр Меламид. Антони Тапиес Рисунок — 4. Art brut — грубое, сырое искусство — направление в европейском искусстве середины ХХ века, основателем и лидером которого был французский художник Жан Дюбюффе, разработавший концепцию чистого искусства, искусства, отвергающего красоту и гармонию. Каждый человек — художник, для человеческого существа рисовать так же естественно, как говорить или ходить. По мнению Дюбюффе, Ар брют — это творчество в наиболее чистом его проявлении: Он обращается к искусству душевнобольных, людей. Изолированных от общества, считая только их истинными художниками, обладающими тем субъективизмом, который придает человеку подлинную индивидуальность. Собранная или коллекция, насчитывающая около рисунков, живописных картин, предметов и скульптур, легла в основу Музея Ар брюта, основанного в году в Лозанне Швейцария. Дюбюффе, вдохновленные этими образцами. Во многом это заслуга радикала и воинствующего интиинтеллектуала Жана Дюбюффе, по-новому взглянувшего на мир. Жан Дюбюффе, Антонии Тапиес, Адольф Вельфли, Генри Дангер, Мортон Бартлетт, Роземари Кочи, Пол Хамфри. Arte povera — бедное искусство — направление авангарда, оформившееся в итальянском искусстве в конце — начале х гг. Марио Мерц без названия. Движение Арте повера возникло как ответ на повышенный интеллектуализм и рационализм минимализма и концептуализма, с их дорогостоящими материалами и технологиями изготовления объектов искусства. При этом особое внимание уделялось разнородности предметов гипсовые слепки голов с античных статуй и мешки с углем или газовые горелки , материалам недолговечным, изменяющимся под воздействием атмосферы или в силу их химических и физических свойств таким как воск, губка, резина и т. Это придавало произведениям Арте повера определенную художественную символику, не поддающуюся однозначному толкованию. Искусство, окружая нас повсюду, мимолетно и неуловимо, как миг жизни. А значит и бесполезно, но в этом и его красота. Марио Мерц, Яннис Кунеллис, Лусио Фонтана, Джованни Ансельмо, Джулио Паолини, Джильберто Цорио, Пино Паскали, Алигьеро Боэтти, Марио Чероли, Лучано Фебри, Джузеппе Пенони, Микеланджело Пистолетто. Микеланджело Меризи де Караваджо, Вакх. Барокко — один из больших стилей, который главенствовал в архитектуре и искусстве европейских стран, начиная с конца 16 и до середины 18 веков. Главными характеристиками барокко стали масштабность, обилие декора, бурная динамика, стремление к иллюзорным эффектам в организации пространства интерьера — увеличение размеров помещений с помощью зеркал; высоты залов благодаря живописным плафонам, имеющим сложное решение перспективы. Все это отвечало новой картине мироздания — изменчивой, конфликтной, где отживающее и рождающееся находятся в постоянном противоборстве, а человек с его страстями, запутанным, сложным внутренним миром часто оказывается во власти иррациональных сил. Симон Вуэ,Святая Цецилия с ангелом. Первая половина 17 века. Венгерский музей изобразительных искусств. Не случайно барокко уходит от ясности и простоты, предпочитая геометрической строгости, прямой линии изысканную кривую; упорядоченному движению — вихреобразное; локальному цвету — мерцающие, меняющиеся под воздействием светотени золотистые тона или яркие, праздничные, неожиданно дисгармоничные в своем победном звучании. Стиль барокко создал неповторимую ансамблевость, свойственный только ему синтез архитектуры, монументального и декоративно-прикладного искусства. В каждой европейской стране барокко имеет свою специфику при сохранении основных особенностей стиля. Так, на родине, в Италии, этот стиль реализовался наиболее ярко и по времени раньше, чем, например, во Франции, где ведущая роль в XVII в. В России развитие барокко приходится на первую половину и середину XVIII в. Свободное от мистической экзальтации, свойственной этому стилю в католических странах, искусство барокко в России прославляет крепнущую самодержавную власть. В 1-й половине XVIII в. Ancient Sound, Abstract on Black by Paul Klee Гропиусом в Веймаре в г. Вначале все студенты проходили 6-месячный курс предварительного обучения, где изучали свойства материалов и основы ремесел, а также теорию формы и рисунка. После этого их допускали к работе в мастерских: В зависимости от склонностей учащихся из них готовили архитекторов, художников-конструкторов, фотографов, дизайнеров. Klee Analysis of Various Perversities, , Collection. Гропиус уделял отбору преподавателей, разделявших его убеждения: Расцвет Баухауса связан с Веймарским периодом, отмеченным влиянием неоромантизма. В году Баухаус переехал в Дессау и разместился в выполненном по проекту В. Гропиуса здании, считающимся одним из шедевров архитектуры функционализма. Период в Дессау отмечен усилением техницистски-утилитарных тенденций, складыванием собственного стиля Баухаус, характеризующегося четкостью форм, минимализмом средств, типовым проектированием, совершенствованием индустриальных методов и материалов. George and the Dragon В году пост директора занял швейцарский архитектор Х. Однако новшества, введенные им изучение общественных наук , вызвали недовольство со стороны преподавателей и студентов, и в году Баухаус возглавил немецкий архитектор Л. Мис Ван дер Роэ, остававшийся директором вплоть до закрытия этого учебного заведения нацистами году. Untitled First Abstract Watercolor. Однако, принципы и методы обучения Баухаус были подхвачены в других странах, а его идеи оказали глубокое воздействие на развитие прикладного и изобразительного искусства от книжной графики и рекламы до мебели и предметов утвари. Вальтер Гропиус, Людвиг Мисс Ван дер Роэ, Василий Кандинский, Пауль Клее, Оскар Шлеммер, Лионель Файнингер, Ласло Мохоли-Надь, Йозеф Альберс, Герхард Маркс, Марсель Брейер, Макс Билль, Йоханнес Иттен, Херберт Байер, Ханс Майер. Объектом Боди-арта также могут выступать рисунки, фото, видео и муляжи тела. Тело рассматривается как вещь для манипулирования, повышенный интерес художники проявляют к пограничным экзистенциальным ситуациям. Композиции боди-арта разыгрываются прямо перед зрителем или записываются для последующей демонстрации в выставочных залах. Направление возникло на ранней стадии авангарда, но получил особое распространение в период постмодернизма, который прибегает к нему как к элементу инсталляций и перфоманса, некоторые искусствоведы относят его к акционизму. Боди-арт иногда близок, но не тождественен, ряду явлений, возникших в русле контркультуры: История Одни из первых в XX веке опыты в духе боди-арта относятся к м годам, когда русский футуризм в лице М. Начиная с х годов боди-арт начал интенсивно развиваться в Европе, как часть эстетической революции авангардизма, направленной против духовной косности общества, как противопоставление себя прежним и в особенности общепринятым традициям творчества, равно как и всем окружающим социальным стереотипам в целом. В году в Вене первые манифестации — вызывающие нудистские акции Гюнтера Брюса и опыты Рудольфа Шварцкоглера, связанные с различными возможностями языка тела. Их американские последователи изучают взаимосвязи поэтического и телесного языка Вито Аккончи , а также такие ракурсы телесности, как гримаса Брюс Науман , царапина Деннис Оппенгейм , порез Л. Смит , укус Вито Аккончи. О теле как объекте и средстве искусства, его основе размышляют французские теоретики и практики боди-арта — М. Представители Боди-арта использовали своё тело как материал или объект творчества, прибегая к разнообразным, подчас болезненным, манипуляциям: Пан Франция публично причиняет себе боль, Крис Бёрден США побуждает своего друга выстрелить в него в выставочном зале, Р. Шварцкоглер Австрия по кусочку отрезает плоть модели, которая умирает от потери крови, что запечатлевается на фотоплёнку. В том же духе совершали свои акции боди-арт Вито Аккончи, Деннис Оппенгейм, Крис Бёрден, Джина Пина, Марина Абрамович, а в России, уже с х годов, — А. Мавроматти, художники школы Ю. Ковылина, Лиза Морозова, М. Одновременно развивалось другое направление боди-арта, в котором тело художника становилось объектом гримировальных и костюмированных ряжений: Роспись по телу, лег арт, бодипейнтинг англ. Это самый распространённый вид боди-арта, в котором основное место занимает рисование на лице фейс-арт и теле. Общеизвестен нейл-арт — роспись ногтей. Менди — роспись тела с использованием хны, самая долговечная — держится три недели. В отличие от росписи по телу рисунок сохраняется на всю жизнь. Сюда относятся перманентный макияж, а также, например, косметический татуаж бельма. Шрамирование, скарификация, скарт лат. Сюда относятся не только подкожные и другие импланты, но и распространённая операция по увеличению груди. Самодемонстрация художника, этот вид представляет собой глубокое ответвление в постмодернизм. Одна из наиболее известных работ Денниса Оппенгейма: Вито Аккончи задокументировал при помощи фотографий и текста свои ежедневные упражнения: Крис Бёрден чаще всего использовал своё тело как объект для насилия. Большая часть работ Бёрдена была связана с физическим риском. Они представили ряд акций, обычно затрагивающих социальные табу такие как манипуляции с гениталиями. Аудитория резала её, колола, расписывала губной помадой и снимала одежду. Перформанс продолжался шесть часов. Одна из её работ включала танец до изнеможения. В настоящее время боди-арт распространен как одна из форм рекламы товара или услуги на выставках, презентациях и прочих мероприятиях. Для этого привлекаются профессиональные модели и художники. Принципы веризма сформировались главным образом под влиянием французского натурализма. Опираясь на творчество Э. Национальное своеобразие этого течения проявилось в глубоком сочувствии угнетенному трудовому народу, жизнь которого в основном крестьянства и бедняков провинции явилась основным содержанием романов и новелл теоретиков веризма — Дж. Чамполи, оперных произведений П. Лега Итальянские Барсальеры,ведущие пленных австрийцев, В живописи веризм был представлен преимущественно неаполитанскими мастерами, развивавшими социально-критические тенденции в искусстве борьба рабочего класса за свои права, тяжелый крестьянский быт и создавшими целую галерею образов выдающихся деятелей итальянской истории и культуры. Однако веристы не видели общественной возможности устранения социальной несправедливости; в их творчестве преобладали настроения пессимизма и обреченности, пассивно-натуралистическое восприятие действительности в литературе и живописи или мелодраматизм, поверхностная иллюстративность, преувеличенная эмоциональность в музыке. Не получив широкого распространения в изобразительном искусстве Италии, веризм тем не менее сыграл важную роль в развитии реалистических тенденций в мировом художественном процессе. Франческо Паоло Микетти, Джузеппе Пелицца да Вольпедо, Винченцо Вела, Франческо Айец, Джованни Фаттори, Сильвестро Лега. Нам Джун Пайк Семья Роботов, Видео — арт англ. В отличие от собственно телевидения, рассчитанного на трансляцию для массового зрителя, видео-арт применяет телеприемники, видеокамеры и мониторы в уникальных хэппенингах, а также производит экспериментальные фильмы в духе концептуального искусства, которые демонстрируются в специальных выставочных пространствах. Главный основоположник видео-арта — американец корейского происхождения Нам Чжун Пайк. Искусство, использующее телевизионные технологии — видеоарт, — как раз и возникло из протеста против засилья массовой культуры, высшим воплощением которой считается телевещание. Вольф Фостель в е годы устраивал хэппенинги, на которых телевизоры забрасывали кремовыми тортами, обвязывали колючей проволокой, торжественно погребали и даже расстреливали из автоматов. Нам Чжун Пайк, музыкант по образованию, поступал тоньше. Нам Джун Пайк Новая работа, Возникнув в е годы, когда еще даже не было видеокамер, видеоарт считается молодым видом искусства. Как всегда, в начале он был уделом одиночек-энтузиастов, но уже в конце х стало ясно, что видео таит неисчислимые возможности для обогащения выразительных средств искусства. Теперь уже всем понятно, что для двадцатого века имена видеохудожников Виолы и Пайка так же значимы, как для девятнадцатого — имена Моне и Ван Гога. Хорошее искусство всегда сильно воздействует на человека — пробуждает в нем чувства, мысли, идеи, поступки. Видеоарт располагает техническими средствами воздействия, которые сильнее живописи, графики, скульптуры. Пожалуй, по остроте воздействия с видеоискусством может соперничать только сама жизнь. Возрождение, или Ренессанс фр. Примерные хронологические рамки эпохи— начало 14 — последняя четверть 16 веков и в некоторых случаях — первые десятилетия 17 века например, в Англии и, особенно, в Испании. Отличительная черта эпохи Возрождения— светский характер культуры и её антропоцентризм то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности. Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в 14 веке. Художники этого времени, Пьетро Каваллини — , Симоне Мартини — и в первую очередь Джотто — при создании полотен традиционной религиозной тематики отталкивались от традиции интернациональной готики, однако начали использовать новые художественные приёмы: Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс. Различные века в истории итальянского искусства имеют названия, образованные от соответствующих числительных: Раннее Возрождение, Высокое Возрождение. Конец Высокого Возрождения, Позднее Возрождение. Раннее Возрождение Беноццо Гоццоли. В начале 15 века Филиппо Брунеллески — , флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины. Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков. Наиболее известные художники этого периода — Мазаччо — , Мазолино — , Беноццо Гоццоли — , Пьеро Делла Франческо — , Андреа Мантенья — , Джованни Беллини — , Антонелло да Мессина — , Доменико Гирландайо — , Сандро Боттичелли — Большое распространение получила скульптура. В творчестве скульпторов получили развитие многие формы: Ими были достигнуты новые высоты в изображении пластики человеческого тела: Наиболее известными скульпторами этого периода являются Донателло — и Лоренцо Гиберти — Работы Леонардо да Винчи — , Рафаэля Санти — , Микеланджело Буонаротти — , Джорджоне — , Тициана — , Антонио Корреджо — составляют золотой фонд европейского искусства. Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти. Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире. Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей. Позднее Возрождение Parmigianino Malatesta Baglioni, После разграбления Рима имперскими войсками в году итальянское Возрождение вступает в период кризиса. Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма. Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции ит. Первые мастера маньеризма — Пармиджанино, Понтормо, Бронзино — жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами. В е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко переходные фигуры — Тинторетто и Эль Греко. Северное Возрождение Питер Брейгель-старший. Художники, жившие к северу от Альп, не имели перед своими глазами образцов античного искусства. Археологическое измерение итальянского Ренессанса, состоявшее в изучении вновь открытых памятников античности, было им совершенно чуждо. Здесь долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследования и познанию анатомии человека. Портреты северных художников например, Гольбейна лишены гармонизации и идеализации действительности, которые свойственны их северным собратьям; в своей реалистичности они доходят до натурализма. С другой стороны, они не порывают со стихией народной, крестьянской жизни и фольклорными традициями; особенно показательно в этом отношении творчество Питера Брейгеля Старшего. На стыке интернациональной готики и предренессансных веяний в Бургундских Нидерландах 1-й половины 15 века родилось старонидерландское искусство. Усложнённая иконография и запутанный символизм сочетались с предельным вниманием к подробностям домашнего обихода. Переход от темперы к масляной живописи позволял художником более рельефно и разносторонне передавать многообразие, глубину и блеск предметного мира. Все эти достижения связаны с именами Робера Кампена и его учеников— братья ван Эйков и Рогира ван дер Вейдена. Во второй половине века пережитки готики и итальянские влияния причудливо переплелись в творчестве Мемлинга. Хотя в Италии эпохи кватроченто с интересом следили за достижениями нидерландских художников, итальянское влияние стало проникать в эти края только в 16 веке, когда баварец Альбрехт Дюрер ездил совершенствовать своё искусство в Венецию, а в Нидерландах сформировалась школа антверпенского маньеризма, к которой принадлежал, в частности, Мабюз. С началом Реформации религиозная живопись на севере Европы попала под запрет, зато стали формироваться новые жанры, основанные не столько на переосмыслении художественных достижений предыдущих поколений как в Италии , сколько на непосредственном наблюдении за природой, — именно, пейзаж, натюрморт, жанровая живопись. Геометрическая абстракция другие названия — холодная абстракция, логический, интеллектуальный абстракционизм — течение в абстрактном искусстве в основе которого лежит создание художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий. Она имела целый ряд разветвлений. В России это был лучизм М. Татлина, переросшее позднее в конструктивизм; суперматизм К. Ван Дусбургом, выдвинувшая концепцию неопластицизма — искусства чистой пластики, задача которого заключалась в очищении природы от иллюзорного многообразия и обнажения таящейся в ней первичной схемы. Геометрическая абстракция, оказав значительное влияние на становление современной архитектуры, развитие дизайна, промышленного, декоративно-прикладного искусства, оставалась доминирующим направлением в искусстве вплоть до окончания. Ольга Розанова Композиция с поездом, Однако в е гг. Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Ольга Розанова, Любовь Попова, Роббер Делоне, Пит Мондриан, Тео Ван Дусбург, Йозеф Альберс, Фрэнк Стела, Жюль Олицки, Виктор Вазарели, Бриджит Райли. Hyperrealism — сверхреализм; другие названия — суперреализм, фотореализм, холодный реализм, радикальный реализм — художественное направление в живописи и скульптуре, возникшее в США в х гг, и распространившееся в х гг. Являясь формой фигуративного искусства, гиперреализм основывается на доскональной точности и детальности воспроизведения действительности, имитирующей специфику фотографии. Произведения гиперреалистов представляют собой детально копированные фотографии, увеличенные до размеров большого полотна. Некоторые художники, работавшие в этом направлении, на самом деле использовали фотографии и цветные слайды как основу для своих работ. При этом сохранялись все особенности фотоизображения, для чего художниками использовались механические приемы копирования: Применение таких технологий было не случайным: Возможно поэтому мир гиперреализма кажется неживой, холодной, отстраненной от зрителя сверхреальностью. Цель гиперреализма — изображение повседневных реалий, а главные темы — обезличенная механизированная жизнь современного города, обезличенная живая система в жестком и грубом мире. На картинах вырастает образ реальности, но не настоящей, а отраженной своей множественностью в стеклянных витринах магазинов, в полированных кузовах автомобилей, отшлифованных до блеска граните. Точно воспроизведенная художником игра этих отражений создает впечатления взаимопроникновения пространственных зон, запутанного соотношения планов, дезориентируя зрителя, порождая чувство ирреальности. Дон Эдди, Ричард Эстес, Чак Клоуз, Ральф Гоингс, Малколм Морли, Мэл Рамос, Одри Флэк, Роберт Коттингем, Бэн Шонцайт, Ждон де Андреа, Дуэйн Хэнсон, Грэхем Дин, Майкл Инглиш, Майкл Леонард. Граффити в живописном стиле. Граффити пришли их древности: Как широкое движение оформился в е гг. Первыми граффитистами были выходцы из этнических меньшинств и маргиналы, выражавшие подобным образом протест против своего бесправного положения. К началу х гг. Современное граффити — это ни на что не похожий стиль в монументальном искусстве, символ урбанизации и высоких технологий. В нем можно выделить два направления — сюжетное и шрифтовое. Второе направление считается high-классом в уличной живописи и являет собой переплетенные в замысловатом узоре слова и аббревиатуры. Здесь сложилось несколько стилей: Bubble пузырь — дутые, округлые буквы, похожие друг на друга; Wild Style дикий стиль — самый виртуозный стиль, отличающийся нечитаемостью букв; 3D style объемный стиль — самый виртуозный стиль, отличающийся абсолютным объемом букв; Messiah Style — буквы, словно написаны на отдельных листах и наложены друг на друга. В современной жизни замысловатые рисунки граффити стали неотъемлемой частью городов в самых разных странах мира. Выполненные с невероятной фантазией и мастерством они олицетворяют дух свободного творчества и являют миру непреходящее желание творить Красоту. CRASH, NOC , FUTURA , LEE, SEEN, DAZE, TAKI , SAMO, SUPER COOL , SEND. Это движение имеет довольно четкие временные границы: Кенни Шарф Андрогония Появление граффитизма связано в первую очередь с художественными галереями небольшого района Манхэттена Ист-Вилиджа, в котором жили негры, пуэрториканцы представители других этнических меньшинств, ставшие первыми граффитистами. Именно владельцы галереи Ист-Вилиджа открыли американцам уличных художников, рисовавших спреями на станциях нью-йоркской подземки и стенах домов. Теперь граффитисты перешли в залы художественных галерей, перенося свои произведения на холсты. Кенни Шарф Блюминария Буйная фантазия, яркая самобытность сочетающая в себе элементы городской субкультуры с искусством этнических групп были отличительными чертами этого искусства, быстро вошедшего в моду. Пик популярности граффитизма пришелся на середину х гг. Наибольшую известность среди художников-граффитистов получили Жан-Мишель Баския, Кейт Херинг и Кенни Шарф. Баския, выходец из Ямайки, был самоучкой, которого открыл Энди Уорхол. Херинг и Шарф получили профессиональное художественное образование, но работали в манере примитивизма, широко используя в своем творчестве приемы и мотивы граффити. Джон Матос Чмоданы …. Однако, коммерческий успех не пошел на пользу граффитизму: С уходом из жизни наиболее ярких его представителей в г. Жан-Мишель Баския, Кейт Херинг, Кенни Шарф, Джон Матос, Леонар Макгар, Крис Эллис, Энтони Уан. Дадаизм возник как протест творческой молодежи против мировой войны и культуры, приведшей к ней. Его концепция не содержала позитивных идеалов и была пронизана пессимизмом. Принципами дадаизма стали разрыв с традициями мировой культуры и отрицание всяческих ценностей; представление о мире как о хаосе безумия, которому противопоставляется безумие творческое; алогичность мышления, выведение искусства за грань серьезного, придание ему оттенков веселья и смеха. Помимо этого они использовали и традиционные методы пропаганды: Балль и Гюльзенбек, а годом позже и Тцара покинули группу. Она перестала существовать, уступив место берлинскому объединению. В году в Берлине организовалась группа дадаистов, которую возглавил Гюльзенбек. Деятельность этой группы имела ярко выраженную социально-критическую и антимилитаристскую направленность, поскольку в нее входили в основном художники, занимавшие по отношению к власти позицию открытой конфронтации — Георг Гросс, Джон Хартфильд, Хана Хёх, Иоганнес Баадер. Главными средствами художественного выражения стали памфлет, политический плакат, карикатура, фотомонтаж, листовка, в которых коммунистические и анархические идеи вытеснили спонтанный дух отрицания цюрихской группировки. Мерц Конструкция с вишней Движение в Ганновере связано исключительно с деятельностью голландца Курта Швиттерса, автора и создателя необычных мерц- произведений. Ключевыми фигурами кёльнской группы, сформировавшими ее неповторимое лицо, стали художники Макс Эрнст и Жан Арп. Основной формой их деятельности стали представления, поставленные по цюрихскому образцу, и выставки. Жан Арп Без названия. В центре зала стояла девочка в библейских одеждах и читала непристойные стихи, а зрители могли во время просмотра крушить экспонаты, что отвечало концепции дада, отрицающей ценность искусства. История американского дадаизма началась со скандально-известной выставки Армори-шоу года, на которой были представлены работы европейских мастеров Марселя Дюшана и Франсиса Пикабиа. Пикабиа создавал фантастические конструкции, чьи названия и биомеханический вид были одновременно и гимном и приговором индустриальному обществу. Его работы оказали значительное влияние на Ж. Эта теория давала понять, что искусство — это идея, которая может быть заключена и в готовом предмете, а не только в создана художником или скульптором. Андре Бретон surrealist landscape, Дюшан и Пикабия знакомятся с Тцара и вместе перебрались в Париж, где влились в группу молодых поэтов и художников, сплотившихся вокруг Андре Бретона. Парижский период гг. Однако, внутри группы назревал конфликт: Бретона и его сторонников уже не устраивал скандал ради скандала и дух всеобщего отрицания. В его голове созревал план создания нового объединения с конкретно поставленными задачами и ясной перспективой. Дадаизм вынужден был отойти на второй план и постепенно сойти с художественной арены. Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Жан Арп, Марк Эрнст, Курт Швиттерс, Хана Хёх, Рауль Хаусманн, Геогр Гросс, Джон Хартфильд. Воскресная прогулка на острове Гран-Жатт Элементы дивизионизма ярко проявляют себя уже в пленэрной живописи импрессионистов, которые использовали этот метод скорее интуитивно, руководствуясь эмоциями и наблюдательностью, нежели знаниями и рассудком. Песчаный берег моря Основоположниками дивизионизма считаются художники-неоимпрессионисты Жорж Сёра и Поль Синьяк, которые попытались довести до логического завершения эмпирические находки своих предшественников, соединив воедино искусство и науку. Опираясь на психофизиологию восприятия цвета и теоретические труды Эжена Шеврёля , Огдена Руда и Германа Гельмгольца, они научно обосновали новый живописный метод и практически применили его в своем творчестве. Дивизионизм противопоставил беспорядочности и хаотичности мазков импрессионистов четкую систему вычисления и наложения точек, что делало работу художника очень сложной и трудоемкой, а способ письма строгим и сухим, но в тоже время привел к эффекту создания более интенсивных цветов, тонов и света в живописи. Пейзаж с домиками Как движение дивизионизм получил развитие помимо Франции в Бельгии Тео Ван Риссельберге и особенно в Италии Джованни Сегантини в конце XIX в. Жорж Сёра, Поль Синьяк, Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков. Иероглифический абстракционизм другое название каллиграфический абстракционизм — течение в абстрактной живописи, в основе которого лежит имитация приемов китайской и японской каллиграфии искусства красивого и четкого письма. Особенностью иероглифического абстракционизма является манера письма: Основателем этого направления считается американский художник-абстракционист Марк Тоби В середине х годов он путешествовал по Дальнему Востоку, где изучал искусство каллиграфии и философию дзэн-буддизма. Суть его была в том, что холст полностью покрывался каллиграфическими элементами, из которых нельзя было выделить какие-либо отдельные формы. Марк Тоби, Моррис Грейвз, Джулиус Бисье, Анри Мишо, Франц Клайн, Роберт Мазеруэлл, Брэнди Уокер Томлин, Ханс Хартунг. Терраса в Сент-Адрессе Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления. Новое движение возникло как реакция на застой господствующего в те годы академизма, однако его появление было подготовлено несколькими факторами: Дагером фотографии, внесшей в искусство новое видение; научными открытиями Э. Руда в области цветоделения; появлением в г. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: Клод Моне Домик таможенника Импрессионизм зародился в х гг. Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. Сислей впервые выработали в своих произведениях последовательную систему пленэра. Работа на открытом воздухе помогала им создавать на полотнах ощущение сверкающего снега, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха. Во многом этому способствовала разработанная в тонкостях колористическая система, при которой сложные тона разлагались на чистые цвета солнечного спектра. Они накладывались на холст раздельными мазками в расчете на оптическое смешение в глазу зрителя, что создавало удивительно светлую, как бы трепещущую живопись. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде. С этой целью они воспроизводили один и тот же сюжет по несколько раз, добиваясь невероятной чистоты цвета и практически очистив свою палитру от черной краски. Свое искусство импрессионисты представляли на выставках, проводившихся с нерегулярными интервалами с по гг. Критик Луи Леруа, иронически отзываясь о представленных работах, особо отметил картину К. Новое название пришлось по душе сторонникам движения правда, не всем , поскольку отвечало творческому методу, который они исповедовали: House and Terrace to the Southwest, Однако, как живописный метод, импрессионизм не прекратил свое существование: Уинстлер , Германии М. Коринт , России И. Совершив художественную революцию в сознании современников, раскрыв им новые горизонты, импрессионизм дал толчок к развитию искусства и появлению новых концепций, течений и форм. В его недрах зародились неоимпрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, приведшие в свою очередь к возникновению новых художественных эстетик и направлений. Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Клод Моне, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Гюстав Кайботт, Джеймс Уистлер, Константин Коровин, Ловис Коринт. Инсталляция широко распространена в постмодернистской культуре, берет свои истоки из авангарда начала ХХ столетия. Ее основоположниками были Марсель Дюшан и сюрреалисты. Художники разных направлений создавали инсталляции, среди них можно назвать: Роберта Раушенберга, Джима Дайна, Илью Кабакова, Йозефа Бойса, Янниса Кунеллиса и многих других. Главная цель инсталляции — создание в определенном объеме особого художественно-смыслового пространства, построенного на неординарном сочетании тривиальных вещей, выявляющего в них новые смысловые значения и чувственные качества, скрытые от обыденного восприятия. Вещь, освобождаясь от своего утилитаризма, приобретает символический характер, а преобразованная среда и смена контекстов придают пространству иную смысловую нагрузку и значимость. Развитие научно-технического прогресса, возможности видеотехники, компьютерные технологии помогли развиться новым видам инсталляций, в том числе видеоинсталляции. Важно, что зритель не созерцает инсталляцию со стороны, как картину, а оказывается внутри неё. Сцены семейных обедов, бесед на террасе и прогулок в вечерний час, веселых игр, полуденного отдыха, чтения книг и занятий рукоделием — типичные сюжеты их произведений. Baltimore Museum of Art. Важной составляющей работ художников-интимистов были цвет и композиция. При помощи цвета они организовывали пространство произведения, создавая ощущение единства и логического завершения. Стремясь передать атмосферу домашнего уюта и тепла, интимисты использовали палитру сложных цветовых оттенков, в которых преобладали теплые хроматичные тона. Не последнюю роль в их картинах играл свет: Вообще, настроение — суть интимизма. Боннара и Вьюйара мало интересуют люди, они, скорее стаффажные фигурки, размещенные в художественном пространстве, нежели главные герои полотен. Наиболее яркие примеры живописи в духе интимизма — многочисленные интерьерные композиции, в которых художники старались избегать обычной перспективы, подчеркивали двухмерность пространства, применяя зачастую смелые, неожиданные ракурсы и декоративные приемы, как например, изображение на переднем плане картины натюрморта. Это в большей степени относится к произведениям П. Untitled — Жан-Поль Риопель. Никола Де Сталь Красные бутылки. На художественную арену вышли новые течения, развивающиеся в русле беспредметного искусства — абстрактный экспрессионизм Джексон Полок, Аршиль Горки , лирическая абстракция Жорж Матье , ташизм Пьер Сулаж, Хенс Хартунг и информель. Jean Philippe Arthur Dubuffet, 31 июля , Гавр. Первые образцы этого нового искусства появились в конце х гг. С самого начала в информель наметилось два русла — живописное и рельефное. Если первое использовало традиционную технику живописи кисти и краски , делая упор на цвет и форму, то второе использовало в качестве основы для картин гипс, цемент, песок, гравий, различные ткани, веревки, выдвигая на первый план вещность и тактильность простых материалов. Картины информальных художников представляли собой интеллектуальные идеограммы, первобытные наскальные граффити, геологические срезы земли, географические карты, остатки археологических изысканий, окаменелых первобытных животных и т. Жан Дюбюффе, Антони Тапиес, Эмиль Шумахер, Фритц Винтер, Антонио Корпора, Никола де Сталь, Жан-Поль Риопелле. Описание ментальных патологических состояний, связанных с проведением разного рода ритуалов, обнаруживается еще в Греко-римской культуре. В христианской иконографии точное отображение признаков душевной болезни содержали изображения изгнания дьявола из людей. Брейгеля Старшего и И. Конец XIX — начало XX вв. Опубликованные сведения вызвали огромный интерес со стороны как отдельных художников П. Гоген , так и целых направлений экспрессионизм, сюрреализм, абстракционизм , считающих самовыражение людей, не затронутых цивилизацией, истинным творчеством. В конце х гг. Он стал создателем первой самой крупной коллекции работ аутсайдеров, легшую в основу музея Ар брют. Кардиналом в г. В современном искусствоведении Аутсайдер арт не отождествляется только с искусством душевнобольных, он включает работы непрофессиональных мастеров, которые не следуют в своем творчестве каким-либо традициям и установкам, не осознающие себя художниками, а движимы исключительно потребностью творить. Адольф Вельфли, Генри Дангер, Мортон Бартлетт, Роземари Кочи, Пол Хамфри, Юджин фон Брюнхенхайн, Александр Лобанов. В Дюшан создал первое подвижное произведение искусства: В е русские художники также заинтересовались передачей движения — Архи- пенко, Родченко, Наум Габо, но особенно Татлин со своим проектом Башни III Интернационала Одновременно многие художники обратились к кино, стремясь заставить формы двигаться X. Эггелинг, Ман Рэй и Ф. Томас Вилфред впервые придал своим под- вижным световым проекциям подлинную эстетическую ценность. Хяршфельд-Мак в Баухаузе, Р. Хаусманн и Баранов-Россине также интересовались проекциями. Дьявольски сложные кинетические скульптуры художника Лими Юнга,. Вслед за Алберсом, в произведениях которого движение передается цветными вибрациями, Вазарели изображает движение с помощью оптического обмана. Вазарели, вероятно,впервые заставил зрителя перемещаться в его архитектурных декорациях. С Сото отказывается от техники панно из плексигласа и использует мотки проволоки и стержни,создавая видимую нестабильность,которая дематериализует формы. Дебург, Собрино используют эти разные приемы, а другие художники Мак, Герстнер, Мари дополняют их различными рефлексами. В работах Сото бесчисленные элементы нарушают установленный порядок. Его путем последуют Дж. Тео Янсен — нидерландский художник и кинетический скульптор. Успех динамического использования света был закреплен выставкой , прошедшей в в Эйндховене. Но еще в послевоенное время Дж. Варданега который нередко включал звуковое сопровождение в свои работы из плексигласа , М. Хили создавали настоящие световые спектакли. Однако главный вклад в движение сделал Н. Шеффер с его свето-динамическими скульптурами , а потом с визуальным органом, позволяющим создавать на прозрачном экране бесчисленные цветовые композиции; разрабатывая миф об уникальности произведения, он стремится к синтезу искусств в масштабе города. Классицизм в живописи представляет собой, прежде всего, единение современного мира для художника с античным наследием. В произведениях живописи противопоставлялся разум человека силам природы, общественное — личному. Как и другие отрасли искусства, классическая живопись обобщает образы. Причем на главный план выставляется идея первичности потребностей большинства. Классицизм, как один из наследников античности, само собой, относил к высокому жанру картины, которые были написаны на исторические и мифологические сюжеты. В них довольно четко прослеживается драматизм, пожертвование своими личными интересами ради общего блага. При этом к низкому жанру зачислялись полотна на более прозаичную тематику — пейзажи и натюрморты. Биографии художников и других выдающихся личностей можно изучить на сайте biografix. Классическая живопись приобрела более академичные черты. Ученики академий, молодые художники, юные дарования большую часть своего времени проводили в прекрасных античных залах. Они делали наброски, глядя на римские и греческие статуи, увлеченно занимались антиковедением. Античный мир был для них такой же реальностью, как и мир за пределами школы. Именно поэтому юные художники переносили себе на холст свое восприятие реальности. Но следует сказать, что классическая живопись не была целиком статичной и заимствованной у древней Греции. Благодаря французскому художнику Энгру, основоположнику французского неоклассицизма Жак Давиду, биографии которых представляют особый интерес даже у современной молодежи, героизм античных персонажей активно переносился в современный мир. Тем самым, создавалась иная, глубокая и даже трагичная, атмосфера восприятия событий. На этом полотне, тематика которого представляет собой вполне современное для художника событие, отражен весь героический пафос античности, в увеличенной форме выведенный на главный план красками, позами, светотенью. На картине изображен Марат, в руках которого листок примерно такого содержания. В действительности же Марат так и не успел получить записку, потому как Корде убила его.. Холст является неким подобием сцены для художника-режиссера. Поздний классицизм, называемый также ампир, приобретает черты парадности и пышности, выразившиеся в архитектуре и прикладном искусстве первой трети XIX в. Русский классицизм во второй половине XVIII — начале XIX вв. В живописи видными мастерами классического истинного жанра были А. Принципы классицизма отразились также в живописных портретах Д. Однако, в дальнейшем для русского изобразительного искусства все более характерным становится бездушный, надуманный академический схематизм, с которым ведут борьбу представители романтизма и реализма, пришедших на смену классицизму. Видение после проповеди Революционность этой системы состояла в отказе от использования на полотне цветовых переходов и полутонов, так как все цвета разделялись извилистыми, причудливо изгибающимися контурными линиями, напоминающими перегородки. Подобная техника придавала изображению предельную плоскость и декоративность, а фигуры воспринимались как плоские тени, наложенные на живописную поверхность. Луи Анкетен, Эмиль Бернар, Поль Гоген, Поль Серюзье, Клод-Эмиль Шуффенекер, Якоб Меир де Хаан, Ян Веркаде. Construction — построение — художественное направление в советском искусстве х гг. Начало массовому движению было положено в г. С созданием рабочей группы конструктивистов, развернувшей активную деятельность в различных сферах художественного творчества. В первые годы советской власти формирование конструктивизма происходило в тесном взаимодействии архитекторов и дизайнеров с авангардистскими течениями изобразительного искусства супрематизм, футуризм , на основе которого выросли формально-эстетические поиски главных представителей течения — А. Беспредметная композиция 65 — Александр Родченко. Приверженцы конструктивизма стремились к революционному переустройству жизни, объединению личного и общественного бытия, внедрению производственного искусства в жизнь и быт, провозгласили новые эстетические идеалы, такие как простота, демократичность, утилитаризм предметного мира. Теория производственного искусства, основанная на принципах функциональности и лаконичной выразительности объекта, удобного для массового производства, дала огромный толчок развитию всевозможных форм дизайна — художественному конструированию мебели, посуды, созданию новых тканей, рабочей одежды, плакату, книжной графики, фотоискусству, театрально- оформительскому искусству. Грандиозные планы конструктивистов были связаны с архитектурой, где утверждались конструктивность, технологическая целесообразность архитектурной формы, на основе которой создавался функциональный метод проектирования зданий и градостроительных комплексов, принципы планировки и переустройства городов и поселков. Многие сооружения конструктивизма получили широкое мировое признание: Мельникова в Москве , драматический театр в Ростове-на-Дону арх. Владимир Татлин, Александр Родченко, Эль Лисицкий, Константин Медунецкий, Валентина Степанова, Владимир Стенберг, Георгий Стенберг, Любовь Попова. Концептуальное искусство Jae-Cheol Park. Концептуализм в живописи — одно из современных направлений. Концептуализм принципиально отличается от традиционной живописи точкой исхода. Прежде всего концептуализм изменил представление о пространстве в живописи. Если традиционная живопись рассматривает пространство исходя от видимого пространство природы — пейзаж, интерьер — то в концептуализме пространство чисто умозрительное — такого пространства нигде не существует. Второе — это совершенно свободный подход к изображению. Изображения в такой картине вырваны из любого стиля, и на одном пространстве картины совмещены изображения совершенно разных стилей. Так вот пространство концептуальной картины — это то пространство, которое до слов. А вместо слов идут изображения. Конечно, концептуализм требует знаний, свободного передвижения в пространстве истории искусств: Такой интерпретации пространства в живописи до концептуализма не было. Концептуальные иллюстрации Йонаса де Ро Jonas de Ro. Одно из самых древних умозрительных пространств — ад и рай. В поэзии у символистов оно тоже хорошо просматривается. В реалистической живописи пишут все, что можно сфотографировать. Реалистичная живопись — это мир людей. Вырванные из любого стиля изображения — это своего рода цитаты — чтобы что-то доказать, мы приводим как можно больше цитат или примеров разных авторов для убедительности, что, мол, эта мысль присуща многим. Как академическая живопись требует знаний перспективы и анатомии — так и конкретная идея требует конкретного изображения — Толстой не мог писать как Достоевский, Достоевский не мог писать как Толстой — хотя и там и там — Библия и один и тот же язык. Идея диктует изображение и по другому нельзя. Изображение идеи есть самая жесткая конструкция — в полутон не уведешь…. Что касается понимания, то и реалистичную живопись настоящую не просто до конца понять. И поскольку концептуальная картина компонуется из чужеродных изображений — то надо хоть знать откуда это, чтобы понять зачем. Мне как-то сказали — что там смотреть у Рембрандта, все черно — так он и писал о тьме человеческой и о свете в человеке, и как это в нем уживается — оченно удивились…. Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни. По существу кубизм — это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П. Пикассо , ознаменовавшие рождение кубизма. Для первого периода до г. Второй период — отличается более мелкой деталировкой предмета изображения. Это привело к ограниченному набору изображаемых предметов и жанров натюрморт, реже пейзаж, и портрет. Основным приемом синтетического периода стал коллаж. Картины синтезировались из разнородных материалов и фрагментов обрывки газет и одежды, куски обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации, фактуры. Художник не воспроизводил действительность, а зримо воплощал свои знания об изображаемом предмете, которые в воображении зрителя складывались в обозначенный сюжет. Натюрморт с бутылкой бордо. Основные теоретические идеи кубизма были изложены самими участниками движения А. Отвергая традиции фигуративной живописи и провозглашая создание самостоятельных живописных реалий, независимых от объективных, кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам ХХ века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму. Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Луи Маркуси, Фернан Леже, Альбер Глез, Жан Метценже, Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа, Александр Архипченко, Жак Липшиц, Андре Лот. Cubofuturism — направление в русской культуре начала ХХ века, объединившее многие авангардные явления живописи и поэзии. В изобразительном искусстве кубофутуризм возник на основе переосмысления художественных теорий сезаннизма, кубизма, футуризма и русского неопримитивизма, явив собой эклектичное явление с ярким национальным окрасом. К крупнейшим направлениям и подлинно оригинальным созданиям русского авангарда — супрематизму К. Лисицкого, аналитическому искусству П. Она и последующие работы Д. Duty boats in the bay. Фактически кубофутуризм первым начал разрабатывать эстетику абсурда, легшую впоследствии в основу дадаизма и сюрреализма. Казимир Малевич, Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни. Лирическая абстракция другое название — лирическо- эмоциональный, психологический абстракционизм — одно из течений абстрактного искусства, для которого характерны стремление к прямому выражению эмоциональных и психических состояний художника и импровизационность исполнения. Согласно учению Кандинского, моделью современного общества являлась пирамида, в основании которой находились люди материальные и примитивные, на следующей ступени — одухотворенные, а на самой вершине — художники, владеющие умами и сердцами людей и несущие им свет искусства. Природные формы служат препятствием для художника и должны быть им отринуты. Он создавал картины, ориентированные на свое внутреннее зрение, а голос души подскажет ему подлинную форму произведения. Произведения лирического абстракционизма — воплощения субъективных цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, запечатленный в цвете, моментальный снимок душевного состояния человека. Василий Кандинский, Пауль Клее, Джексон Полок, Аршиль Горки, Франц Клайн, Альфред Манисирер, Ханс Хартунг, Эмилио Ведова. Эмиль Клаус Осеннее утро на реке Лис Луминизм разделяет акцент на эффектах света с импрессионизмом. Луминизм предшествовал импрессионизму, и художники, которые писали в стиле луминизм, никоим образом не были под влиянием импрессионизма. Люминизмом называется направление в постимпрессионизме, в котором особое внимание уделяется отображению световых эффектов. Одним из главных представителей этого течения можно назвать бельгийского художника Эмиля Клауса, а также его учеников Густава де Смета, Фрица ван дер Берге, Женни Монтиньи, Жоржа Моррена, Анну де Верт, Константа Пермеке и др. В этой манере выполнены также ранние пуантилистские работы голландцев Яна Торопа, Яна Слёйтерса, Лео Гестела и Пита Мондриана. Если работы бельгийских художников-люминистов по своему стилю весьма близки французским имперссионистам, в особенности живописи Клода Моне, то их голландские коллеги в своей живописи основывались в первую очередь на произведениях фовистов: Анри Матисса, Мориса де Вламинка, Андре Дерена. Лучизм rayonismus, от франц. В том же году был опубликован манифест, раскрывающий принципы лучизма: Художник должен изображать не сами предметы видимые формы , а отраженные от них цветовые лучи внутренняя сущность ; передавать на полотне впечатления, возникающие от встречи в пространстве перекрещивающихся световых и энергетических лучей различных предметов. Однако художник должен не просто воспроизводить лучи на картине в хаотичном порядке, а использовать их для создания формы в соответствии со своими со своими собственными эстетическими воззрениями. Поэтому картины лучистов представляли собой либо изображения с резкими контурами, преломляющимися в пучках косых линий, либо абстрактные сочетания пучков разноцветных лучей и лучистых форм, что позволило В. Маяковскому назвать лучизм кубистическим толкованием импрессионизма. Однако, движение это было недолгим, так как после г. Гончарова и Ларионов фактически отошли от станковой живописи занялись театрально-оформительским искусством , я число их последователей было невелико. Эскиз декораций к опере Н. Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Кирилл Зданевич, Сергей Романович, Александр Шевченко, Михаил Ле-Дантю. Работы лэнд-арта не были по отношению к ландшафту внешними или привнесёнными, последний использовался скорее как форма и средство создания произведения. Часто работы выполнялись на открытом и удалённом от населённых мест пространстве, в котором оказывались предоставленными самим себе и действию природных сил. Так же, это — течение западноевропейского авангардного искусства, пародирующее в абсурдистских формах традиционную ландшафтную архитектуру. Разлад творчества художника с окружающей действительностью в идейном, эстетическом и предметном отношениях породил в —х гг. Подобные инсталляции вводятся в естественный пейзаж, ничем не примечательный, либо, напротив, в экзотический — заброшенные каменоломни, шахты, высохшие водоемы, руины зданий. Однако в любых вариациях подобные объекты не являются художественными произведениями и не становятся предметом изобразительного искусства, поэтому их создателей нет оснований именовать художниками см. Наиболее известные представители лэнд-арта: George Tooker — In the Summerhouse, Magic realism — художественное течение в американской живописи х гг. Членами этой группы в разное время были Джордж Тукер, Джаред Френч, Йавен Олбрайт, Петер Блюме, Филипп Эвергуд. Эта тенденция была подхвачена и развита многими художниками, в том числе сюрреалистами, среди которых Хуан Миро и Рене Магритт. Как художественное направление магический реализм сложился на американской почве, став эквивалентом европейского сюрреализма. Во многом отвечая вкусам и потребностям американского зрителя, произведения мастеров магического реализма носили эпатирующий, шокирующий своей откровенностью характер, при этом сочетая его с анекдотичностью ситуаций и карикатурностью персонажей. Сходство с натурой в этих картинах носило крайнюю форму гротеска, так что реальность скорее напоминала беспокойный сон или галлюцинативный бред. Пол Кадмус, Джордж Тукер, Джаред Френч, Айвен Олбрайт, Филипп Эвергуд, Петер Блюме, Грегори Гиллеспи. Ханс фон Аахен,Торжество Истины и сраведливости. Маньеризм — термин, применяемый к изобразительному искусству, a также к литературе и музыке, сочетающий в себе множество исторических и критических параметров. У искусствоведов нет единодушия и в определении границ термина. Сначала маньеризм определял только стиль, но позже расширил свое значение и стал обозначать период в развитии итальянского искусства от Высокого Возрождения до барокко Термин применялся главным образом по отношению к итальянскому искусству и архитектуре, реже к истории искусства других стран. Понтормо Якопо Карручи,Мадонна с Младенцем, святым Иосифом и Иоанном Крестителем. Между и годами. Этот термин стал употребляться повсеместно, уже не в значении упадочного искусства. После революционных достижений искусства начала XX в. Работы мастеров, которые долгое время игнорировали и недооценивали, стали казаться интересными и актуальными. Бартоломеус Спрангер,Венера и Адонис. Маньеризм характеризуется напряжением, эмоциональностью, удлиненными человеческими фигурами, неестественными позами, причудливыми эффектами пропорций, освещения, необычной перспективой, иногда яркими, даже огненными, цветами. Часто работы в этом стиле отличаются нетрадиционным решением, художник специально концентрирует внимание зрителя на своей технике. В руках великих Маньеристов например, Понтормо или Пармиджанино такого рода игра находит воплощение в работах не просто Изысканных, но и сильных, волнующих, заставляющих сострадать. Маньеризм общепринято означает элегантный, утонченный, немного искусственный стиль, однако в каждом конкретном случае добавляются определенные нюансы в зависимости от личности исследователя. Метафизическая живопись — ит. Художники, вошедшие в это объединение, — Джорджо Де Кирико, Карло Кара, Альберто Савинио, Луиджи Де Пизис, Джорджо Моранди, стремились вернуться к национальной традиции именно в тот исторический период, когда обозначился разрыв с ней. Метафизическая эстетика складывалась и развивалась под влиянием немецкого романтизма, культурных традиций античности и эпохи Возрождения и современных авангардистских теорий. Джорджо Де Кирико и Альберто Савинио опубликовали серию теоретических работ, посвященных метафизической живописи. Тема манекена становится лейтмотивом картин Де Кирико и Кара. Моранди же, напротив, обратился к натюрморту, в котором предметы уподоблены муляжам или токарным заготовкам. Эти своего рода маски вещей расположены в геометрически организованных и лишенных оптического единства пространствах. Метафизические полотна полны намеков, ассоциаций, литературных отсылок. В них мечта и метафора становятся основой для выхода реальности за рамки обычной логики, а контраст между реалистической точностью предметов и лирической, выразительной атмосферой усиливает это напряжение. Джорджо Де Кирико, Карло Кара, Альберто Савинио, Луиджи Де Пизис, Джорджо Моранди. Mel Bochner — Obscene, Для Минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы творчества и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов черный, серый , малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Артефакт в минималистской концепции творчества — определенный заранее результат процесса его производства. Световые инсталляции Дэна Флэвина Dan Flavin. Получив наиболее полное развитие в живописи и скульптуре, Минимализм, интерпретируемый в широком смысле как экономия худож. Минимализм возник в США в пер. Его истоки — в конструктивизме, супрематизме, дадаизме см.: Уолхейму, вводящему его применительно к анализу творчества М. Дюшана и поп-артистов, сводящих к минимуму вмешательство художника в окружающую среду. Среди наиболее репрезентативных минималистов — К. Их объединяет стремление вписать артефакт в окружающую среду, обыграть естественную фактуру материалов. Самостоятельную, роль играет освещение как способ создания минималистских худож. Идея концептуальной предопределенности творч. Modernisme, от moderne — современный, новейший — совокупность художественных направлений, возникших в искусстве во второй половине XIX в. В виде новых форм творчества, в которых возобладало уже не столько следование духу природы и традиции, сколько свободный взгляд мастера-творца, изменяющего видимый мир по своему усмотрению, следуя личному впечатлению, внутренней идее или мистической грезе. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, символизм и модерн, хотя к этому относят экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм и более поздние течения — абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций и время появления новых тенденций в искусстве. Главной целью движения является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих принципиально новые выразительные средства изобразительного языка. Ночное кафе в Арле Столь негативная оценка базировалась на таких художественных особенностях направления как отказ от классических традиций, субъективизм и абсурдизм, увлечение формально-пластическими решениями, стремлением стереть границы между искусством и действительностью. С конца х гг. Пабло Пикассо, Марк Шагал, Амедео Модильяни, Виктор Борисов-Мусатов, Густав Климт, Альфонс Муха, Обри Винсент Бердсли. Поль Рансон Обнажённые купальщицы. Дени один из главных ее теоретиков , Э. Необычное название объединения ни в коей мере не раскрывало сущности творчества входивших в него художников. Осознавая себя кружком единомышленников, каждый член группы, тем не менее, тем не менее, волен был идти и шел своим путем, вне зависимости от эстетических, религиозных и прочих устремлений. Терраса в Верноне С самого начала в живописи Наби развивались две линии: ДЕНИ Морис Танцующие ангелы Особенностью художников группы Наби являлось тяготение к синтезу искусств. Помимо станковой и монументальной живописи, они занимались и декоративно-прикладными искусствами, практически охватив все виды художественной деятельности: Морис Дени, Эдуард Вюйар, Пьер Боннар, Поль Серюзье, Поль Рансон, Керр-Ксавье Руссель, Феликс Валлотон, Ян Веркаде, Йожеф Риппл-Ронаи, Аристид Майоль. Женщина с собакой Под воздействием идей позитивизма, главными представителями которого были О. Спенсер, это движение стремилось к объективному и бесстрастному изображению реальности, уподобляя художественное познание научному, исходило из представления о полной предопределенности судьбы, зависимости духовного мира человека от социальной среды, наследственности и физиологии. В сфере искусства натурализм разрабатывался прежде всего в творчестве французских писателей — братьев Э. Гонкуров и Эмиля Золя, которые считали, что художник должен отражать окружающий мир без всяких прикрас, условностей и табу, с максимальной объективностью, позитивистской правдой. Натурализм в литературе и живописи проявляет себя в сознательно откровенном показе физиологических проявлений человека, его патологий, изображении сцен насилия и жестокости, жестокости, бесстрастно наблюдаемых и описываемых художником. Фотографичность, деэстетизация художественной формы становятся ведущими признаками этого направления. Выдача жалованья жнецам Менье, художников-веристов в Италии и др. В советской критике х гг. Теофиль Стейнлен, Константен Менье, Макс Либерман, Кете Кольвиц, Франческо Паоло Микетти, Винченцо Вела, Люсьен Фрейд, Филипп Перлстайн. Развивая художественно-эстетические принципы позднего импрессионизма, проявлявшего повышенный интерес к оптическим явлениям в природе, неоимпрессионисты стремились довести до логического завершения эмпирические находки предшественников на основе научных достижений, передать с помощью живописных приемов все богатство оптических эффектов. Купание в Аньере Главным живописным методом нового течения стал дивизионизм — система, основанная на целенаправленном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые наносились на холст раздельными мазками. На основе дивизионизма Сёра и Синьяк разработали необычную технику письма — пуантилизм, которая заключалась в том, что краски наносились на полотно в виде маленьких точек и квадратов, которые при восприятии картины с определенного расстояния оптически сливались в сетчатке глаза зрителя в созданные художником формы и образы. Впервые полотна неоимпрессионистов были показаны в г. Пуантилистская техника письма привлекла внимание как молодых художников Кросс, Люс, Леммен и др. Однако она же стала причиной того, что в х гг. Контрастные, изысканно-красивые картины неоимпрессионистов получались несколько отвлеченными, холодновато-рассудочными, лишенными непосредственной эмоциональности, игры чувств, напоминая больше декоративные панно, чем живописные полотна. Жорж Сёра, Поль Синьяк, Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимильян Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини. Неопластицизм — введённое Питом Мондрианом обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в — гг. Ауда и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра П. Баухаус , а также на типографское дело. Это учение о математической структуре Вселенной, разработанное голландским теософом Шенмакерсом нидерл. Neorealisme — новый реализм — художественное направление в искусстве послевоенной Италии, ярче всего проявившее себя в кинематографе и изобразительном искусстве, отчасти в литературе. Начало этому движению положил основанный в г. Их целью было побороть пессимизм послевоенного мира и призвать вернуться к искусству, выражающему общечеловеческие ценности. Главной темой их творчества стало изображение послевоенной Италии, жизнь рабочих и крестьян, их борьба за свои права. Для живописи неореализма характерны динамичная композиция, энергичная моделировка объемов, насыщенный цвет и экспрессивная манера письма. Художественные течения, близкие итальянскому неореализму, проявились в искусстве ряда стран Европы и Америки, выдвинув таких лидеров, как мексиканцы Диего Ривера и Леопольдо Мендес, румын Корнелиус Баба, немец Фриц Кремер, французы Борис Таслицкий и Андре Фужерон. Своим искусством художники-неореалисты утверждали идеи гуманизма, значимость простых жизненных ценностей, доброту и справедливость в человеческих отношениях, равноправие людей независимо от их имущественного положения. Ренато Гуттузо, Габриеле Муки, Эрнесто Треккани, Джузеппе Дзигайно, Армандо Пиццинато, Борис Таслицкий, Андре Фужерон, Диего Ривера, Леопольдо Мендес. Нет-арт Net Art — от англ. Его исследователи в России, вносящие вклад и в его развитие, О. Шульгин считают, что суть Н. Различают по крайней мере три этапа развития Н. Первый, когда начинающие художники Сети создавали картинки из букв и значков, имеющихся на клавиатуре компьютера. Второй начался, когда в Интернет пришли художники андеграунда и просто все желающие показать нечто из своего творчества. Появилась масса электронных галерей, салонов, кинотеатров, которые внесли в Сеть продукцию внешнего мира, не органичную Сети, использовали ее как посредник. Следующий этап состоял в освоении специальными сетевыми художниками собственно выразительных возможностей Сети, как некоего электронного энвайронмента или виртуальной реальности, внутри которых необходимо творить так, как невозможно работать в реальном мире. Появилась первая сетевая литература, построенная на принципах гипертекста, особые визуальные зоны Н. Компьютерные игры также представляют собой один из аспектов Н. Известный в Сети Нет-артист Хит Бантин установил на центральных улицах Дублина, Токио, Лондона, Лос-Анжелеса телекамеры, связав каждую из них с определенной веб-страницей. Любой посетитель этого сайта из любой точки земного шара, заметивший какие-то беспорядке на данной улице, может тотчас информировать полицию данного города с этой же веб-страницы. Основными характеристиками его являются неутилитарность, прямой контакт между художником и реципиентом, интерактивность, свобода бытия в киберпространстве, комуникационность. Георг Гросс Затмение солнца Neue Sachlichkeit — художественное направление в искусстве Германии х — начала х гг. Это течение, не оформленное организационно и достаточно широкое из-за принадлежности к нему художников из разных земель Германии просуществовало до прихода к власти фашизма в г. Отто Дикс — Портрет журналистки Сильвии фон Харден. Эстетическая концепция направления строилась на утверждении ложности реального мира, поэтому главной целью становится адекватное выражение неадекватности мира, реалистически зафиксированное отсутствие реальности, а смыслом художественного творчества — практически фотографическая точность изображения, не ставящая своей целью скрыть за художественной декоративностью неприглядность реальности. Макс Бекман Family Picture, Георг Гросс, Отто Дикс, Макс Бекманн, Александр Канольдт, Георг Шримпф, Эберхардт Вигенер, Карл Гросберг, Генрих Даврингхаузен. Начало движению положила группа художников, объединившаяся в г. Первая выставка группы прошла в г. Возникнув как реакция на господствующий тогда футуризм, Новеченто провозгласил возврат к национальным истокам, к ренессансной классике, восстановлению преемственности традиций, прерванных авангардистским искусством начала XX в. Это движение скорее отвечало определенному культурному климату, сложившемуся в Европе в х гг. Леонардо Дудревилле, Акиле Фуни, Пьеро Маруссиг, Убальдо Оппи, Марио Сирони, Карло Кара, Марино Марини. Neue Wilde; другое название — Новые фовисты — постмодернистское течение в европейском и американском искусстве, возникшее в Германии в конце х гг. Противопоставляя себя концептуализму и минимализму, участники этого движения провозглашают возврат к фигуративности, цвету экспрессивности, спонтанным методам создания произведений. Цель течения — основываясь на творчестве мастеров старшего поколения, обновить художественное видение, прибегая к различным средствам, даже эстетическому шоку. Следующая выставка прошла в Берлине в г. Оба события преследовали цель по-новому взглянуть на художественное наследие прошлого с позиций постмодернистской культуры. Свобода от любых правил и ограничений выливается на их полотна в хаотичные формы, резкие цветовые контрасты, смешение живописных стилей и приемов. Один художник переворачивает изображение вверх ногами, тем самым, дестабилизируя зрителя и заставляя его по-другому в буквальном смысле взглянуть на привычное Г. Базелиц ; другой имитирует приемы примитивного народного творчества, сознательно прибегает к эклектизму, стремясь к выработке неодномерного видения искусства всех времен и народов В. Зигмар Польке, Георг Базелиц, Йорг Иммендорф, Маркус Люперц, Джулиус Шнабель, Альберт Оэлен. От optical art — оптическое искусство — направление в искусстве, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Оп-арт как движение зародился в е гг. Основа оп-арта — в художественно организованных оптических эффектах эффектах пространственного перемещения, парения, слияния форм , которые достигались геометризированными комбинациями линий и пятен с введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, извивающихся линий, пересечением спиралевидных и решетчатых конфигураций. Применение зеркал, линз, дрожащих металлических пластинок и проволок, установок меняющегося света, динамических конструкций, усиливает эффект воздействия создает особую эстетическую среду, достигающую высокой степени абстрагирования от конкретного. Иллюзия движения, вспышек света, меняющейся формы и последовательной смены образов возникают в произведениях оп-арта автоматически, то есть фиктивно, присутствуя только в ощущениях зрителя. Richard Anuszkiewicz, Volumes RAm 2. В х гг, оп-арт получил недолгое, но широкое признание не только в живописи, но и в прикладном искусстве: Виктор Вазарели, Бриджит Райли, Ричард Анушкевич, Хесус Рафаэль Сото, Лари Пунз, Карлос Крус-Диес. Предложенным названием поэт хотел, по-видимому, подчеркнуть особую музыкальность, интуитивность, иррациональность абстрактного искусства Делоне. Соня Делоне Sonia Delaunay. Орфизм — локальное, недолго существовавшее течение в живописи, представленное именами Роббера Делоне, его жены Сони Терк-Делоне, Франтишека Купки и их немногочисленных последователей, среди которых самыми заметными фигурами были Фернан Леже, Франсис Пикабиа, Владимир Баранова-Россине. Frantisek Kupka The Principle of Life. Их живопись была основана на эффектах движения, возникающих при сопоставлении контрастных цветов. Эстетизм, отвлеченная пластичность, ритмика форм, силуэтов и линий — характерные особенности орфизма. Роббер Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел. Питту ра кольта ит. Постмодернизм как художественное и культурное движение явился результатом отрицания: Основой постмодернистской эстетики стало обращение к классическим традициям: Специфика этих заимствований заключается в неклассической трактовке предшествующих традиций, соблюдении определенной дистанции по отношению к ним: Являя собой слияние разных исторических эпох и современных субкультур. Мимо Паладино, Тадини Эмилио, Энрико Байя, Франческо Клементе, Сандро Киа, Энцо Куки. Пинап или пин-ап в переводе с английского — прикалывать — изображение сексуальной, часто полуобнажённой, девушки в определённых пикантных ситуациях. В России также этим термином называют направление в американской графике середины 20 века. Девушки в стиле пин-ап — это полуобнаженные красавицы, изображенные в суперреалистичном стиле. Когда стиль пин-ап только зарождался, а было это вначале двадцатого столетия, художники, дабы достичь наибольшей реалистичности в картинах, рисовали прямо поверх фотографий довольно откровенного жанра. Позже, когда рисунки в стиле пин-ап стали пользоваться бешеной популярностью, художники стали работать с натурщицами, зачастую это были известные женщины — певицы, актрисы, фотомодели. Такие изображения вырезались из специализированных журналов, к примеру, Titter, Beauty Parade, Flirt или Whisper, и прикреплялись в качестве украшения на всевозможные поверхности. Отсюда и название стиля to pin up — прикалывать, pin — кнопка, булавка. Одним из наиболее известных художников стиля пин-ап по достоинству считается Джил Элвгрен. Этот американский художник родился в году. Начинал свою карьеру Джил в году в агентстве, которое разрабатывало рекламные кампании для Кока-колы. Конечно, Джил Элвгрен, как один из лучших сотрудников, принимал непосредственное участие в этой работе. Эта компания занималась производством рекламы и календарей, на тот момент она являлась лидером в своей отрасли. Элвгрену предлагают огромные по тем временам деньги — по тысяче долларов за одну работу позже эта сумма увеличится до К тому же, он мог подписывать свои работы, что не практиковалось ранее у художников его стиля. На пике карьеры, заказов на работы у Джила было настолько много, что ему в студии ассистировали помощники. В дальнейшем все они также станут известными художниками в стиле пи-ап. В своих работах Джил Элвгрен изображал обычных молодых девушек, но все они попадали в некие пикантные ситуации, слегка или чуть более обнажающие их прелести. Каждый раз художник придумывает интересный сюжет и выполняет картину невероятно технично, его девушки прямо-таки притягивают взгляд. Художника Джила Элвгрна по праву можно назвать одним из лучших профессионала своего дела — рисунка девушек в стиле пин-ап. Study for Bedroom Painting, Pop art, от popular art — популярное искусство — направление в искусстве х гг. Абстракционистскому отказу от действительности он противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус. Каждая вещь в определенном контексте теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства продолжение идей дадаизма. Поэтому и задача художника — придание обыденному предмету художественных качеств, эстетизация вещного мира. Художники, добиваясь броскости и наглядности своих творений, используют поэтический язык этикетки и рекламы. Признаки массовой культуры обыгрываются по-разному в произведениях поп-арта, но всегда в неожиданных и абсурдных сочетаниях, тем самым, стремясь отделить вещь от мифа, показать ее истинное значение. У каждого художника своя жанровая специализация. Иногда образы вводятся в картину как прямая цитата в виде коллажа или фотомонтажа, в других случаях имитируются композиционные приемы и техника рекламных щитов, в третьем вещь например, картинка комикса увеличивается до гигантских размеров или изготавливается из необычного материала. Помещенный в иной контекст исходный образ утрачивает первоначальную идентичность, парадоксально преобразуется и перетолковывается, обнаруживает свою изнанку, а иногда даже обесценивается. Roy Lichtenstein, American Nude with Street Scene, Ольденбурга, которые были в числе инициаторов таких форм искусства, как хэппенинг, инсталляция, энвайронмент. Роберт Раушенберг, Энди Уорхол, Том Вессельман, Джэспер Джонс, Джеймс Розенквист, Рой Лихтенстайн, Клас Ольденбург, Ричард Хэмилтон, Питер Блейк, Мэл Рамос. Postmalerische Abstraction — направление в абстрактной живописи, возникшее в США в — х гг. Постживописная абстракция возникла как реакция на спонтанность и живописную технику абстрактного экспрессионизма, противопоставив ему предельное сокращение и упрощение художественной формы: Элементарные конфигурации линии, квадраты , тавтологически повторялись в композиционных построениях характерный пример — квадратная серия Й. Альберса, где картины состоят из вложенных друг в друга квадратов, точно рассчитанных размеров и сочетающихся тонов. Иногда геометрические фигуры уменьшались до одного живописного знака полоса, разделяющая ровно окрашенную поверхность или как крайнее проявление геометрического аскетизма — холст полностью покрывался однотонной краской. Цвета для большой стены. Это обстоятельство позволяет рассматривать постживописную абстракцию как проявление минимализма в живописи. Йозеф Альберс, Элсуорт Келли, Моррис Луис, Ал Хелд, Кеннет Ноланд, Элен Франкенталер, Фрэнк Стела, Жюль Олицки, Барнет Ньюман. Toulose-Lautrec Henri Танец в Мулен Руж… Постимпрессионизм охватывает период с г. Постимпрессионизм — явление неоднородное. К этому направлению исследователи относят творчество неоимпрессионистов Ж. Единственное, что объединяет всех художников — постимпрессионистов, — это определенное отталкивание от импрессионизма как от некоего фундамента, на основе которого начались их собственные художественно-эстетические искания, выражавшиеся в стремлении передать на полотне не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материального так и духовного происхождения. Эти поиски шли разными путями: Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Анри Руссо, Анри де Тулуз-Лотрек, Жорж Сёра, Поль Синьяк, Пьер Боннар, Эдуард Вюйар, Поль Серюзье, Морис Дени, Эмиль Бернар. Ножницы и бабочки Постмодернизм явился результатом отрицания отрицания. В свое время модернизм отверг классическое, академическое искусство и обратился к новым художественным формам. Однако по прошествии множества лет сам стал классикой, которая привела к отрицанию традиций модернизма и возникновению нового этапа художественного развития в образе постмодернизма, провозгласившего возврат к предмодернистским формам и стилям на новом уровне. Сформировавшись в эпоху преобладания информационных и коммуникационных технологий, теоретических знаний, широких возможностей выбора для каждого индивида, постмодернизм несет на себе печать плюрализма и терпимости, в художественном проявлении вылившихся в эклектизм. Его характерной особенностью стало объединение в рамках одного произведения стилей образных мотивов и приемов, заимствованных из арсенала разных эпох, регионов и субкультур. Costellazione del leone, Художники используют аллегорический язык классики, барокко, символику древних культур и первобытных цивилизаций, творя на этой основе собственную мифологию, соотнесенную с личными воспоминаниями автора. Произведения постмодернистов представляют собой игровое пространство, к котором происходит свободное движение смыслов — их наложение, перетекание, ассоциативная связь. Но включив в свою орбиту опыт мировой художественной культуры, постмодернисты сделали это путем шутки, гротеска, пародии, широко используя приемы художественного цитирования, коллажа, повторения. Идя по пути свободного заимствования из уже существовавших и существующих художественных систем, постмодернизм как бы уравнивает их в правах, значимости и актуальности, создавая единое мировое культурное пространство, охватывающее всю историю духовного развития человечества. Сандро Киа, Франческо Клементе, Мимо Паладино, Карло Мария Мариани, Убальдо Бартолини, Луиджи Онтани, Омар Галлиани, Никола де Мария. Примитивизм — в изобразительном искусстве конца 19 — 20 вв. Эти поиски лапидарности и обнажённой экспрессии смыкались с разного рода формальными экспериментами представителей новейших течений искусства конца 19 — 20 вв. Не будучи единым направлением, примитивизм по-разному проявлялся в творчестве многих мастеров: Grandma Moses, настоящее имя Анна Мэри Мозес, урождённая Робертсон. Произведения этих художников А. Руссо во Франции, Н. Пиросманашвили в Грузии, Ф. Мухе в Германии, Р. Вива в Италии, И. Генералич в Хорватии, Х. Нико Пиросманишвили, Иван Генералич, Бабушка Мозес, Мария Примаченко, Генри Дарджер, Никифор Крыницкий, Бунлыа Сулилат, Анри Руссо. Одним из интереснейших направлений живописи является пуантилизм от фр. Это своеобразный художественный приём — рисовать раздельными мазками различной формы. Автором этого метода, считается французский живописец Жордж-Пьер Сёра В поиске своего стиля в искусстве Сёра основал свою технику живописи на теории цвета и оптики. Метод основан на свойстве зрения человека, при котором свет различного спектрального состава может вызывать ощущение одинакового цвета. Например, смешение чистых основных цветов — красного, зеленого и синего, в определенном соотношении, дает белый цвет, смешивая их в разных пропорциях, можно воспроизвести любой воспринимаемый человеком цвет. Смешение этих трех цветов и пар дополнительных цветов красного с зеленым, синего с оранжевым, желтого с фиолетовым , воспринимается ярче, чем механическая смесь пигментов. Поэтому, метод характеризуется отказом от механического смешения красок ради оптического эффекта. Такие картины воспринимаются зрителем с дальнего расстояния или в уменьшенном виде, при этом происходит ощущение переливов воздушной среды, вибрации воздуха. И только со временем стало очевидно, что подобная техника помогает создавать яркие, словно живые, насыщенные воздухом картины, в которых силуэты уже не кажутся плоскими, а приобретают энергию движения. Наиболее известные первые последователи Жорджа-Пьер Сёра — Поль Синьяк, Анри Кросс, Люсьен Писсарро и его отец, один из основателей импрессионизма — Камиль Писсарро. Хотя каждый из них работал в своем стиле, картины завораживают своей необыкновенностью и красотой. У Сёра множество последователей пуантилистов, или дивизионистов, или неоимпрессионистов. Технические приемы пуантилизма использовали абстрактивисты, модернисты, художники декоративного искусства в мозаичных панно и различных росписях. Чаще всего живопись, выполненная в технике пуантилизма, используется для декоративного, абстрактного сюжета, подчёркивающую контрасты цвета и формы, и в то же время смягчающую контуры и пластику. Хотя многие современные авторы и обращаются к пуантилистической манере письма, но в большинстве случаев, это несколько видоизмененная техника. Если у Сёра и его последователей смешение цвета на палитре не использовалось, то современные пуантилисты, чаще всего, применяют смешанные краски. Такие картины можно рассматривать и с близкого расстояния. Питер Мейсон за работой. Современный пуантилизм дополняет и развивает многие направления изобразительного искусства Весь мир знает картины Мигеля Эндары созданные из миллионов чернильных точек. И смотрите, какие реалистичные картины получаются. Или коллажи Питера Мейсона, сложенные из почтовых марок. Очень кропотливый труд, ведь эти марки еще и подобрать нужно по цвету и рисунку. Это еще одно подтверждение того, что рисовать можно чем угодно и у каждого на этот счет свое пристрастие. Purus — чистый — течение во французском изобразительном искусстве конца хгг. Leisures on red bottom — Фернан Леже. Пуристы призывали к максимальному самоограничению — отбросить все лишнее, второстепенное, отказаться от субъективного произвола фантазии и свободы творчества в целях достижения пластического совершенства, образцом которого является машина. Эти положения развивались А. Вдохновленные машинной эстетикой, пуристы последовательно приходят в своих работах к упрощению форм и цвета, четким геометрическим линиям, строгим композициям. Основным жанром пуризма становится натюрморт, где простые стандартизованные формы предметов могут легко соединяться, оставаясь при этом четкими. Эти предметы изображаются в соответствии с методами промышленного рисунка — общий план и проекция в перспективе. Вилли Баумейстер Хрюшка из Монтури 7, курящая трубку. Не получив широкого развития в станковых формах, художественные принципы пуризма нашли частичное отражение в архитектуре творчество Ле Корбюзье и А. Лооса , а также в определенной степени явились предтечей конструктивизма. Амаде Озанфан, Шарль Эдуард Жаннере, Фернан Леже, Франсис Пикабиа, Вили Баумайстер, Оскар Рутерсвард. Jean-Francois Millet French Realist Painter. Реализм realism, от лат. Реализм, понимаемый как основная тенденция исторического развития искусства, предполагает стилевое многообразие и имеет свои конкретно-исторические формы: A Wagon of the Third Class. Отмеченный резкой социальной направленностью, он получил название критического реализма, став отражением в искусстве острых социальных проблем и стремлений дать оценку явлениям общественной жизни. Ведущими принципами реализма 19 в. Реализм в культуре 20 в. Он не всегда предстает в чистом виде, зачастую переплетаясь в сложный узел с противоположными течениями — символизмом, религиозным мистицизмом, модернизмом. Гюстав Курбе, Оноре Домье, Жан-Франсуа Милле, Илья Репин, Василий Перов, Иван Крамской, Василий Суриков, Рокуэлл Кент, Диего Ривера, Андре Фужерон, Борис Таслицкий. Реди-Мейд утверждали новый взгляд на вещь и вещность. Предмет, переставший выполнять свои утилитарные функции и включенный в контекст пространства искусства, то есть ставший объектом неутилитарного созерцания, начинал выявлять какие-то новые смыслы и ассоциативные ходы, неизвестные ни традиционному искусству, ни обиходно-утилитарной сфере бытия. Остро всплыла проблема релятивности эстетического и утилитарного. Первые Реди-Мейд Дюшан выставил в Нью-Йорке в г. Дюшан Колесо от велосипеда Наиболее скандально известными иэ его Реди-Мейд. Своими Реди-Мейд Дюшан достиг осознанно или нет ряда целей. Как истинный дадаист он эпатировал снобистских завсегдатаев художественных салонов начала века. Он довел до логического конца или абсурда традиционный для искусства прошлых столетий миметический принцип. Никакая живописная копия не может показать предмет лучше, чем он сам своей явленностью. Поэтому проще выставить сам предмет в оригинале, чем стремиться изображать его. Этим вконец была разрушена граница между искусством и видимой действительностью, сведены на нет все эстетические принципы традиционного классического искусства в Реди-Мейде помещались в пространство художественной экспозиции не из-за их какой-то особо значимой эстетической формы или других выдающихся качеств; принципиальной произвольностью их выбора утверждалось, что эстетические законы релятивны и конвенциональны. Реди-Мейд знаменовали наступление радикального переворота в искусстве. Именно с них начался четко обозначенный водораздел между Культурой и ПОСТ-культурой. Не случайно Реди-Мейд вошли в качестве главных и полноправных членов и элементов в произведения практически всех направлений визуальных искусств второй пол. Здесь демонстрировались простые вещи, элементы среды, их копии демонстрировались как самостоятельные объекты искусства. Один из представителей направления Реди-мейд был М. Этот художник реальные, банальные вещи поднял на уровень искусства: Новшества Дюшана перевернули представления кубистов об истинном предназначении предметов и дали толчок стремительному развитию нового художественного направления. Через 50 лет подобная ситуация привела к рождению поп-арта. Дадаизм очень быстро стал популярным особенно в Нью-Йорке, где его возглавил Марсель Дюшан , но как сформировавшееся течение просуществовал недолго. Основоположниками нового течения в американском искусстве стали Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс. Дадаизм оказал значительное влияние на другие течения, в частности на сюрреализм прежде всего в его приверженности к абсурду и фантастике , абстрактный экспрессионизм и концептуальное искусство. Галерея старых мастеров, Дрезден. Renaissance — Возрождение — эпоха интеллектуального и художественного расцвета, который начался в Италии в 14 веке, достигнув, пика в 16 веке. Ренессанс обладает специфическими особенностями переходной эпохи от средневековья к новому времени, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый сплав. Термин Возрождение, означавший возврат к ценностям античного мира хотя интерес к римской классике возник ещё в 12 веке , появился в 15 веке и получил теоретическое обоснование в 16 веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов и зодчих. В это время сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. Леонардо да Винчи,Дама с горностаем. В итальянском искусстве Возрождения, не считая предренессансных явлений рубежа 13 и 14 веков проторенессанс , различают: Раннее Возрождение 15 век , Высокое Возрождение конец 15 — первая четверть 16 веков и Позднее Возрождение 16 век. Художники Раннего Возрождения создали пластически цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира. Систематически изучая натуру, они черпали мотивы из жизненной повседневности, наполняли традиционные религиозные сцены земным содержанием, обращались к сюжетам античности. Изобретение способа передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности. Лукас Кранах Старший, Покаяние святого Иеронима. Одной из главных тем живописных произведений Ренессанса Жильбер, Микеланджело были трагическая непримиримость конфликтов, борьба и гибель героя. Около года Флоренция стала центром Ренессанса. Несколько позже, к началу 16 века ведущее место заняли Венеция и Рим. Культурными центрами являлись дворы герцогов Мантуи, Урбино и Феррады. Главными меценатами были Медичи и римские папы, особенно Юлий II и Лев Х. Выдающимися мастерами Возрождения в Италии были Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан. Питер Брейгель Старший, Речной пейзаж с сеятелем. Национальная галерея искусства, Вашингтон. Периоды развития искусства Возрождения в Италии и в странах к северу от Альп, как правило, не совпадают по времени, часто различны по формальному и идейному содержанию. На рубеже 14 и 15 веков в Нидерландах, а позднее во Франции и отчасти Германии отмечается зарождение новых черт в традиционно готическом искусстве, получивших своё полное гуманистическое выражение в 15 — 16 веках. Одной из главных особенностей, характерных для искусства Возрождения в странах этого региона, является его связь с поздней готикой и взаимодействие местных традиций с искусством ренессансной Италии. Темами их произведений стали американские пейзажи, сцены из жизни фермеров, быт маленьких городков, эпизоды из истории, местных легенд и фольклорных рассказов. Полуночная поездка Поля Ривера Главными представителями этого движения были Томас Харт Бентон, Грант Вуд, Джон Стюарт Кэрри. Каждый художник разрабатывает свою линию: Опираясь на эстетические принципы натурализма, риджионалисты соединили их с примитивистской техникой письма, подражая американским художникам-самоучкам вв. Несмотря на местный колорит и национальную идею, риджионализм не получил широкого распространения в художественных кругах. Томас Харт Бентон, Гранд Вуд, Джон Стюард Кэрри, Чарльз Бёрчфилд, Бен Шан, Эдуард Хоппер. Франсуа Буше, Отдыхающая девушка. Зародился во Франции, наибольшее распространение получил в период царствования Людовика XV, оказав влияние на искусство других стран. Наиболее заметно стиль рококо проявился в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, преимущественно связан с убранством дворцовых интерьеров. Отличительными чертами стиля рококо стали асимметрия, обильный декор, светлая цветовая палитра. В числе излюбленных орнаментальных мотивов рококо — стилизованные раковины, растительные завитки, головки амуров, псевдокитайские орнаменты и т. Рококо предпочитает дробные, мелкие формы. В декоративно-прикладном искусстве рококо большое внимание уделялось специфике различных блестящих и бликующих материалов — бронзы, золота, шелка, бисера и т. Большое распространение получили изделия из фарфора мелкая пластика, декоративные украшения и т. В изобразительных искусствах — скульптуре, живописи, графике — рококо свойствен особый круг сюжетов. Это идиллические сцены из жизни пастухов и пастушек пасторали , галантные сцены и мифологические сюжеты, нередко с игривым, эротическим оттенком. Вишняков Иван Яковлевич, Портрет Сарры Элеоноры Фермор. В живописи влияние рококо проявилось в творчестве французских художников Н. Их произведения отличались декоративностью и изысканной цветовой гаммой. В целом стиль рококо представляет камерное, интимное искусство, принимающее изящные и причудливые формы. В Россию живописные традиции европейского стиля рококо проникли вместе с западными художниками, которые служили при дворе, занимались педагогической деятельностью в Академии. Влияние стиля проявилось в частности в портретной живописи Антропова , Рокотова и Вишнякова. Как стиль творчества и мышления остается одной из основных эстетических и мировоззренческих моделей 20 века. Романтизм возник в е гг. К основным особенностям романтического стиля надо отнести игровую стихию, которая растворяла эстетические рамки классицизма; обостренное внимание ко всему своеобычному и нестандартному причем особенному не просто отводилось место во всеобщем, как это делал барочный стиль или предромантизм, но переворачивалась сама иерархия общего и единичного ; интерес к мифу и даже понимание мифа как идеала романтического творчества; символическое истолкование мира; стремление к предельному расширению арсенала жанров; опору на фольклор, предпочтение образа понятию, стремления — обладанию, динамики — статике; эксперименты по синтетическому объединению искусств; эстетическую интерпретацию религии, идеализацию прошлого и архаических культур, нередко выливающуюся в социальный протест; эстетизацию быта, морали, политики. В изобразительном искусстве романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, менее отчетливо — в скульптуре и архитектуре напр. Большинство национальных школ романтизма в изобразительном искусстве сложилось в борьбе с официальным академическим классицизмом. Развиваясь во многих странах, романтизм повсюду приобретал яркое национальное своеобразие, обусловленное местными историческими традициями и условиями. Наиболее последовательная романтическая школа сложилась во Франции, где художники, реформируя систему выразительных средств, динамизировали композицию, объединяли формы бурным движением, использовали яркий насыщенный колорит и широкую, обобщенную манеру письма живопись Т. В Германии и Австрии раннему романтизму свойственны пристальное внимание ко всему остроиндивидуальному, меланхолически-созерцательная тональность образно-эмоционального строя, мистико-пантеистические настроения портреты и аллегорические композиции Ф. Коха , стремление возродить религиозный дух немецкой и итальянской живописи 15 в. В Великобритании романтической свежестью живописи отмечены пейзажи Дж. Бонингтона, фантастичностью образов и необычностью выразительных средств — работы У. Тёрнера, привязанностью к культуре средневековья и Раннего Возрождения — творчество мастеров позднеромантического движения прерафаэлитов Щ. В других странах Европы и Америки романтическое движение было представлено пейзажем живопись Дж. Райдера в США , композициями на темы народного быта и истории творчество Л. Галле в Бельгии, Й. Манеса в Чехии, В. Мадараса в Венгрии, П. Матейко в Польше и др. Жан Луи Андре Теодор Жерико: Gericault The Raft of the Medusa, Жерико, Делакруа и его последователи. Решительным отступлением от классицизма, по содержанию, была картина Жерико: На плоту, сделанном из остатков фрегата, движущемся среди волн, под плохим парусом, группа полуживых людей и трупов изображена в тот момент, когда вдали стал виден парус корабля. Хотя и в этом произведении выразительность форм и лиц замечательнее колорита, тем не менее, мало чем нарушаемый однородный серый тон производит впечатление. К сожалению, Жерико через немного лет после этой картины умер, не исполнив дальнейших своих художественных намерений. Следует заметить, что этот отрицатель К. Трудно сказать, как был бы встречен Жерико в первые годы нашего столетия, если б вообще он был тогда возможен; но теперь революционное для искусства его направление происходило опять в период развития либеральных идей во французском обществе. Только в г. Ученик классика Герена, Делакруа шел, однако, решительно против наставлений своего учителя. Картина была встречена частью общества и критики с порицанием, другой — с восторгом. Даже Гро, классик по принципу, одобрил колоритность картины, посоветовав художнику усовершенствоваться в рисовании форм. С обеих сторон писались чрезвычайно страстные критические статьи; взгляды казались непримиримыми, так как одни — принципом искусства считали красоту форм и линий, благородство которых не должно нарушаться даже страданием, и античные темы наиболее подходящими для олицетворения своих взглядов; другие находили красоту в силе выражения и в жизни, для воспроизведения которых необходим сильный колорит, разнообразие в красках и тонах, как одно из средств для перенесения зрителя в действительность. Одни требовали от художника прежде всего умственной работы, другие — воодушевления чувством. Давид ставил красочность в подчиненное положение рисунку, т. Делакруа говорил о себе: Но при таком темпераменте, не выражавшемся, впрочем, в его жизни, он все-таки настойчиво преследовал художественную идею и трактовал ее на всевозможные лады, чему много доказательств в рисунках, оставшихся после его смерти. Художественный темперамент заставлял его искать темы пылкие, выражать страсти, доведенные до крайних пределов; кисть его как бы поспешная, но в сущности решительная; краски он брал все, но не беспорядочно, и сочетал их гармонично. Но работа гладкая, слитная, повсюду одинаково обдуманная и одинаково ко всем частям картины относящаяся, как у Давида, не могла бы выразить то, чего искал Делакруа. Сюжеты, соответствующие его темпераменту, художник искал и находил не в истории, а в созданиях литературы, где если и встречались описания исторических лиц и события, то уже прошедшие через воображение. Делакруа увлекался сочинениями Данте, Байрона, Шекспира, Гёте, Вальтера Скотта; отсюда появились его, кроме уже названных картин: Последняя из названных картин при огневом освещении производила страшное впечатление зверскими лицами и дикой страстностью действующих лиц сцены. Новое направление, данное живописи, к которому быстро примкнули очень многие, было названо романтическим. После того как В. Эвр — все романтики второго разряда. Сигалон — писал кровавые, приводящие в ужас сцены: Гюго, — дикий танец хаотически переплетенных фигур. Ари Шеффер любил изображать страсти не столь пылкие и тревожные, однако глубоко проникающие в сердце, чем отличается от Делакруа, но тем не менее он — романтик. DECAMPS Alexandre Gabriel The Turkish Patrol. Он любил изображать библейские сцены и даже воображал, что к этому роду у него особое призвание; помещал фигуры среди больших пейзажей романтического характера. Главное его достоинство — колоритность. Камилл Рокеплан — — романтик, хотя и вышел из классической школы: И в самом деле, романтизм не имел определенных, ограничивающих и стесняющих правил, индивидуальность художников была настолько свободна, что некоторые из них даже известны только виртуозностью, другие брали сюжетом сцены просто из произведений новейших модных писателей и жили чужим вымыслом во что бы то ни стало. Некоторые, как мы видели, изображали безобразие или крайности, возбуждавшие отвращение. Поэтому романтизм имел своих врагов, которые считали принципы романтиков столько же ложными, как и принципы Давида. Этот замкнулся в древнем языческом мире, романтизм — преимущественно в средних веках, по Вальтеру Скотту; была только хронологическая перестановка. Романтики на все лады писали мучеников Шатобриана и брали типы из литературы до Альфреда Мюссе и Эжена Сю включительно. Делакруа был в самом деле полководец, но без армии, так как его последователи мало-помалу дошли до пути, ведущего к отрицанию искусства и заменили искусство живописи ловкой техникой. Они основали литературную живопись и показали, до чего она может дойти: Один критик, мысленно обращаясь к временам Давида, говорит, что есть два рода новаторов: Давид принадлежал к первым: Постройка Чёртова моста, Романтизм уронил в свою очередь школу Давида, но и время романтизма прошло. Он не произвел ничего, что заслуживало бы жизни в потомстве. Были таланты, но большей частью произведения производили впечатления сильные по внезапности, а не такие, которые бы проникали глубоко и оставались бы надолго. Из художников самым главным и наиболее сильным противником романтизма был Энгр. Его не удовлетворяли ни античные идеалы Давида, ни, тем менее, чистая натура; он понял ложный пафос псевдоклассической школы, но с другой стороны он ненавидел направление и живопись Делакруа до такой степени, что перенес ненависть на него самого и слышать не мог его имени без неприязненного чувства. Колорит Энгра, конечно, выше колорита Давида; любя красивые, благородные формы, он не подражал в живописи просто скульптурным произведениям, как Давид, но не любил также ни колорита романтической школы, ни сильных выражений страстей. Несмотря на его удаление от обеих крайностей, он скорее умеренный и измененный классик-идеалист. Примирительное же направление, исходящее из романтизма, принадлежит Деларошу ученику Гро , который старался соединить правильный и тщательный рисунок с гармоническим колоритом, не давая господствующего перевеса ни тому, ни другому качеству. Содержание же его картин обыкновенно драматическое или трагическое, но он избегает резко безобразного, чего не боялись близкие последователи Делакруа. Деларошу родственны по духу поэты Ш. Каспар Давид Фридрих, Карл Фридрих Лессинг, Карл Шпицвег, Карл Блехен, Альберт Бирштадт, Теодор Жерико, Эжен Делакруа, Уильям Тёрнер, Фредерик Эдвин Чёрч, А-Ж. Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с приверженцами классицизма. Борьба против застывших классицистских норм длилась долго, почти полстолетия. Мастер Сен-Савен сюр Гартан. Бог обращается к Ною, 12 век, фреска. Церковь ордена бенедиктинцев Сен-Савен сюр Гартан, Франция. Романское изобразительное искусство подчинено архитектуре, оно разнородно в различных видах. Храм объединял все виды искусства и был средоточием творческой деятельности народа. Значительные памятники романского стиля в живописи 11—12 веков созданы во Франции, которая была центром формирования нового искусства. В убранстве интерьера романского храма, так же как в храмах эпохи Каролингов, большое место принадлежало фреске. Новым явлением были витражи вид живописи из цветных кусочков стекла, соединенных свинцовым каркасом и заключенных в бронзовые, мраморные или деревянные рамы , которые заполняли оконные проемы апсиды и капелл и получили особое развитие в эпоху готики. На темной стене собора витражи образовывали яркие цветовые пятна, оживляя пространство рефлексами. В витражах изображались сюжеты из священной истории, житий святых — популярной литературы того времени. Среди них иногда размещались изображения ремесленников, горожан. Многоцветные фресковые росписи покрывали пестрым ковром поверхности апсиды, стен нефов, притвора и сводов. Плоскостной характер живописи с локальными тонами и контурным рисунком подчеркивал массивность стен. Цикл фресок церкви Сен-Савен сюр Гартан в Пуату конец 11 — начало 12 века привлекает увлекательным рассказом, содержащим множество занимательных, наивно переданных жизненных наблюдений в изображении эпизодов библейской истории. Мастер перикоп Генриха II. Апостол Петр принимает ключ, миниатюра 11 век, Баварская государственная библиотека, Мюнхен, Германия. Эпически размеренный тон рассказа, прерывающийся порою выражением эмоций, сложные и прихотливые движения и повороты фигур, свободный и легкий ритм рождают впечатление внутренней напряженности и беспокойства, которые свойственны и романской скульптуре. С эскизной легкостью исполнена фреска нартекса на сюжет Апокалипсиса. Мчащийся во весь опор на коне архангел Михаил, преследующий дракона, полон экспрессии. О светской живописи можно судить по так называемому ковру из Байе 11 век, Париж, Байе, собор , в котором прослеживается другая особенность романской живописи — реалистические тенденции. На плотном ковре 70 м в длину и 50 см в ширину цветной шерстью вышиты эпизоды завоевания Англии норманнами в году. Повествование отличается мерным эпическим строем. События, происходящие одновременно, передаются как следующие одно за другим, подробно и обстоятельно передаются детали. Остро подмечены энергичные, порою уродливые движения всадников и коней, сумятица рукопашной схватки, плывущие по морю корабли; в бордюр вплетаются мотивы фольклора. Выразительные, резко очерченные силуэты, декоративность яркого цвета усиливают эмоциональное воздействие вышивки и придают ей легендарно-фольклорный оттенок. Шпалеры и вышитые ковры в убранстве интерьеров играли не только утилитарную, но и декоративную роль, они украшали парадные и жилые покои, в праздничные дни — стены храмов. Заменяя настенные росписи, они сообщали мрачным средневековым интерьерам нарядный вид. Большим разнообразием отмечена достигшая расцвета во Франции романская миниатюра, иллюстрирующая евангелия, библии, хроники. Торжественно-спокойные или полные экспрессии, они отличаются колористической насыщенностью, соответствующей пронизывающим фигуры страстям. Натюрморт с грушами и баклажанами Сезаннизм по имени Поля Сезанна, крупнейшего живописца, представителя постимпрессионизма — течение в живописи первой четверти 20 в. Сезанна, на построение контрастами цвета прочной, устойчивой объемной формы, на ее обобщение и геометричность. По мнению Сезанна, задача художника заключается не в фиксации мгновенных впечатлений от действительности, а в глубоком ее изучении, выявлении и передаче общих, основополагающих качеств — объема, структуры, весомости; в интересе вечного монументального характера мира, его устойчивых, непреходящих черт. Поль Сезанн — Натюрморт с яблоками и ветками В основе сезанновской живописи — рисунок, цвет и контрасты. Цвет — это ведущее формообразующее начало. Его краски — это градация по его выражению, модуляции трех основных цветов — зеленого, голубого, охристого — и белого, а с помощью контрастов и соотношений тонов художник лепит объемы, добиваясь ощущения их плотности, весомости и придавая предметам особую значительность. Сезанн, мало интересуясь пространственными планами, стягивает все изображение в единое живописное поле, так что отдельные перспективные зоны как бы сливаются, наплывают друг на друга излюбленный прием — совмещение разных точек зрения на объект при его изображении , использует приемы обратной и сферической перспективы, увлекаясь изгибающимися и наклонными линиями, создает лаконичные, упрощенные, сведенные к геометризованным объемам и цветовым плоскостям формы. Воздействие его искусства сказалось на творчестве П. Поль Сезанн, Петр Кончаловский, Аристарх Лентулов, Илья Машков, Роберт Фальк, Александр Куприн, Пабло Пикассо. Death of Beatrice Symbolon — знак, символ — направление в литературе и изобразительном искусстве Европы конца 19 века — начала 20 века. Символизм возник как альтернатива исчерпавших себя и художественной практики реализма и натурализма, обратившись к антиматериалистическому, антирационалистскому образу мышления и подхода к искусству. В основе его мировоззренческой концепции лежала идея существования за миром видимых, реальных вещей другой, настоящей действительности, смутным отражением которой и является наш мир. Все случающееся с нами и вокруг нас символисты считали порождением цепи причин, сокрытых от обыденного сознания, а единственным путем достижения истины, моментом прозрения — творческий процесс. Символизм в изобразительном искусстве — явление сложное и неоднородное, не сформировавшееся в единую систему и не выработавшее своего художественного языка. Вслед за поэтами-символистами художники искали вдохновения в тех же образах и сюжетах: Характерной чертой движения было сильное мистико-религиозное чувство. Художники-символисты часто обращались к аллегории, мифологическим и библейским сюжетам. Pierre Puvis de Chavannes. Черты символизма отчетливо прослеживаются в творчестве самых разных мастеров — от Пюви де Шаванна, Г. Редона и прерафаэлитов до постимпрессионистов П. Для всех представителей этого направления характерны поиски собственного изобразительного языка: Гюстав Моро, Пьер Пюви де Шаванн, Одилон Редон, Фелисьен Ропс, Эдвард Бёрн-Джонс, Данте Габриэль, Россетти, Джон Эверетт Миллес, Уильям Холмен Хант, Виктор Борисов-Мусатов, Михаил Врубель. Bernard Emile Breton girls Sun Создателями и главными вдохновителями синтетизма были Поль Гоген и Эмиль Бернар, которые, опираясь на основные положения клуазонизма живописная система, напоминающая технику витража или перегородчатой эмали , сформулировали в своих картинах характерные признаки нового течения — символичность образов, основанных на воображении и ностальгических воспоминаниях памяти, декоративное использование цветовых пятен, упрощение форм и масштабность узора; пытались соединить в живописи идеи о ритме и цвете с живыми впечатлениями от природы. Bonjour Monsieur Gauguin by Paul Gauguin Синтетизм как живописная система оказал огромное влияние на творчество художников группы Наби, а также на зарождающийся в те годы символизм. Поль Гоген, Эмиль Бернар, Луи Анкетен, Поль Серюзье, Клод-Эмиль Шуффенекер, Якоб Меир де Хаан, Ян Веркаде, Шарль Филигер, Анри Море, Анри де Шамайяр, Арман Сеген. Соц-арт социалистическое искусство — одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в х гг. Альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода. Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство и образы современной массовой культуры в целом, что нашло отражение в его ироничном наименовании, соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Повальное господство вещевого фетишизма в капиталистическом обществе перекликалось с засильем советского идейного мифотворчества. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Используя и перерабатывая одиозные клише, символы и формы этого искусства и расхожие мотивы советской политической агитации, соц-арт развенчивал в игровой, зачастую эпатирующей форме их истинный смысл, пытаясь раскрепостить зрителя от идеологических стереотипов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приемов и стилей, использование разнообразных форм от станковой живописи до пространственных композиций стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления. К концу х гг. Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, Григорий Брускин. Социалистический реализм — теоретический принцип и официальное художественное направление , господствовавшие в СССР с середины х до начала х гг. Уже в х гг. На 1-м Всероссийском съезде советских писателей г. Рабфак идет Вузовцы Попытки расширить теоретическую базу С. Жесткие регламентированные нормы, определяющие содержание и форму произведений, круг сюжетно-тематических композиций, типизированных образов и т. Изоляция от мирового художественного процесса лишь усиливала догматизм и нетерпимость С. Тем не менее, за годы его существования было создано немало значительных произведений, которые составили славу советского искусства и литературы. Александр Герасимов, Борис Иогансон, Вера Мухина, Юрий Пименов, Александр Дейнека, Сергей Чуйков, Павел Корин, Евгений Моисеенко, Аркадий Пластов, Николай Андреев, Исаак Бродский. Супрематизм — одно из направлений авангардного искусства, характерное для живописи первой трети ХХ века. Идейным вдохновителем, осиновым теоретиком и ярчайшим представителем супрематизма является Казимир Малевич, русский художник польского происхождения. Супрематичным Малевич считал, в первую очередь, первобытное искусство — наскальную живопись. Помимо этого, были выставлены полотна, выражающие в простых геометрических формах фигуры людей. Конечно же, сводить творчество Малевича и супрематизм вообще лишь к геометрическим абстракциям неправильно, хотя именно они составляют ядро и сущность этого направления в искусстве, подводят итог живописи как край бытия, за которым искусства нет и быть не может. К слову, этот путь был продолжен многими художниками ХХ века, которые отказались от красок, холста и кистей, предпочтя другие методы и формы самовыражения. Со временем супрематизм перестал быть экстремистски — эпатажным, обретя более спокойные черты, и его представители в картинах стали больше рассуждать, глубоко осмысляя образы, передаваемые на холсте. Сам Малевич определил три периода супрематизма — черный, цветной и белый. В супрематизме построение формы не предполагает необходимости цвета или фигуры, решающую роль играет энергетика, прослеживается космизм. Художник ощущает энергетику предметов и образов, стремится работать с формой и цветом в рамках законов экономии. К слову, именно экономия выступает в картинах супрематистов пятым измерением, вынося произведения за пределы реального пространства в космические и психические миры. Квинтэссенцией экономии является именно черный квадрат. The Temptation of Saint Anthony by Salvador Dali, Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основателем и идеологом сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон. Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт. Наиболее яркими представителями сюрреализма в кинематографе считаются Луис Бунюэль, Жан Кокто, Ян Шванкмайер и Дэвид Линч. Сюрреализм в фотографии получил признание благодаря пионерским работам Филиппа Халсмана. Design in Nature Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения. Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически. Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность. Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро фр. Gustave Moreau и Одилон Редон. Красота форм в природе, Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание. Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они провозглашали неконтролируемое создание текстов — автоматическое письмо. Одной из техник сюрреализма была, изобретённая Вольфгангом Пааленом Wolfgang Paalen , фьюмаж. Рене Магритт Rene Magritte -бельгийский художник-сюрреалист. Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Рене Магритта. Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе.

Форекс золото график
Поурочный план для лагеря
Сонник сметана к чему сниться
Сколько можно не забирать посылку с почты
Расписание следования поездов
Средство для мытья прогресс инструкция по применению
Ленинская 202 самара на карте
Русский язык история беларуси обществоведение куда поступить
Односкатная теплица своими руками чертежи
Как быстро доехать до нижнего новгорода
Make hair перевод
Состав сборной бельгиина матчс чехией
Скачать карту россии для навител 9.1 0.0
Приказ минрегиона 36 от 01.04 2008
Новости холостяк 5 россия