Реферат: Музыка как вид искусства
Реферат: Симфоническое творчество Рахманинова
Not Found
Пожалуйста, зайдите или зарегистрируйтесь. Активные темы Темы без ответов. Вы должны войти или зарегистрироваться , чтобы отвечать на сообщения. Симфоническая музыка — музыка, предназначенная для исполнения симфоническим оркестром. Жанры симфонической музыки разнообразны и включают как крупные, нередко многочастные произведения, так и миниатюры. Важнейшие жанры — симфония, увертюра самостоятельная концертная пьеса или вступление к опере , концерт, сюита, симфоническая поэма, фантазия. К симфонической музыке могут быть причислены и оркестровые эпизоды оперы — симфонические картины, интермеццо. Привлечение симфонического оркестра — высшего, наиболее развитого инструментального состава — определяет большие возможности симфонической музыки в воплощении самого значительного и богатого содержания. Лишь условно к симфонической музыке относят произведения, возникшие до появления симфонического оркестра и предназначавшиеся для исполнения другими оркестровыми и ансамблево-оркестровыми составами. Это популярные в XVII веке и первой половине XVIII века старинная танцевальная сюита, кончерто гроссо, ранние разновидности оперной увертюры, серенада, дивертисмент. Формирование симфонического оркестра, сложившегося к концу XVIII века, проходило параллельно с созданием новых, характерных для симфонической музыки жанров, и в первую очередь симфонии. Видная роль в этом принадлежит мангеймской школе и в особенности венской классической школе, представителями которой были И. Моцарт 2-я половина XVIII века и Л. Бетховен конец XVIII — первая четверть XIX века. Основы симфонической музыки были заложены Гайдном, в творчестве которого произошло полное обособление ансамблевой и собственно оркестровой музыки. Важнейший вклад внесли Моцарт и Бетховен. Творчество Бетховена составляет высочайшую вершину в развитии мировой симфонической музыки. В его симфониях, а также увертюрах и концертах запечатлены величественные художественные концепции, нашло глубокое отображение типическое для эпохи содержание. Для этих сочинений Бетховена характерен особый тип музыкального развития представленный также его квартетами, фортепианными сонатами и др. Асафьеву выдвинуть особое понятие симфонизма. В симфоническом творчестве многих композиторов-романтиков — Ф. Наряду с программной симфонией культивируется и программная увертюра в особенности у Мендельсона. Возникает и новый жанр программной симфонической поэмы, созданный Листом и в последующее время представленный многими сочинениями К. Штрауса, а также композиторов новых национальных школ — Б. В области программной симфонии вслед за Г. Листом большой вклад внёс Г. Параллельно развивается и непрограммная симфоническая музыка. Важнейшее место симфоническая музыка занимает в творчестве русских композиторов: Мусоргского, а также П. Чайковского, в последующее время — А. Глазунова, Сергей Танеева, Сергей Рахманинова, Александр Скрябина. Они создали много значительных сочинений в самых разнообразных жанрах симфонической музыки. Традиции русской симфонической музыки развивали советские композиторы, представители различных национальных школ: Николай Мясковский, Сергей Прокофьев, Дмитрий Шостакович, Арам Хачатурян. Give me guidance - in torrents of time Give me answers - creators of mine from the past Mind over matter at last с. Говорят, что Симфоническую музыку сложнее всего слушать в тоже время попсу - наоборот легче всего у меня дома целая коллекция симфонической музыки. Но вообще я не спец в этом, слушать слушаю, но не более если особо понравились произведения автора - интересуюсь его жизнью. Никогда не рано и никому не поздно полюбить шоколад c. Симфоническую музыку слушаю постоянно - учусь на музыканта, и это часть моей будущей профессии. Отец - тоже музыкант - собирает огромное кол-во классической музыки, я всё это слушаю. Очень люблю Баха, Вивальди, Чайковского, Мендельсона, Хачатуряна Шостаковича так и не поняла. Недавно, кстати, нашла его детскую фотографию - так вот он поразительно похож на Гарри Поттера. Главная Участники Правила Поиск Регистрация Вход. Страниц 1 Вы должны войти или зарегистрироваться , чтобы отвечать на сообщения. RSS темы Сообщений [ 3 ]. What the Moon Brings Delilah Вне сайта Откуда: Симфоническая музыка Симфоническая музыка — музыка, предназначенная для исполнения симфоническим оркестром. Симфоническая музыка Говорят, что Симфоническую музыку сложнее всего слушать в тоже время попсу - наоборот легче всего у меня дома целая коллекция симфонической музыки. Но вообще я не спец в этом, слушать слушаю, но не более если особо понравились произведения автора - интересуюсь его жизнью Никогда не рано и никому не поздно полюбить шоколад c. Постоялец Ирлин Вне сайта Зарегистрирован: Симфоническая музыка Симфоническую музыку слушаю постоянно - учусь на музыканта, и это часть моей будущей профессии. Отредактировал а Ирлин Сообщений [ 3 ]. Книги Графическая литература Авторы Жанры Фильмы Сериалы Аниме Творцы Актеры НФ-миры Фэнтези-миры Бестиарий Персонажи НФ и фэнтези живопись Музыка Игровой клуб Субкультуры Непознанное Компьютеры и интернет Спорт Человек и общество Трактир Творчество посетителей Архив Обсуждение форума.
Народная музыка фольклорная - художественная коллективная творческая деятельность народа, отражающая его жизнь, воззрения, идеалы. Создаваемая народом и бытующая в народных массах музыка - песни, инструментальные наигрыши и пьесы. Народное творчество вообще и народная музыка в частности, зародившееся в глубокой древности, - историческая основа всей мировой художественной культуры, источник национальных художественных традиций, выразитель народного самосознания. Истоки русской народной музыки восходят к фольклору славянских племен, которые жили на территории Киевской Руси, первого русского государства, сложившегося в 10 веке. Русская народная музыка не была однородна, как не были однородны племена, составлявшие Киевскую Русь; кроме славянских, она включала в себя финно-угорские, тюркские и другие прототипы. До сих пор в русском фольклоре ощущаются региональные, часто этнические донациональные традиции. Так, свои особенности имеет народно-песенное искусство северных, западных, южных, центральных областей, поселений в бассейнах крупных рек — Оки, Волги, Дона. Многие виды бытующих и теперь песен имеют языческие корни, иногда в сочетании с влиянием христианской обрядовости. Жанровая система русского фольклора включает следующие основные виды: Инструментальная музыка занимает несравнимо меньшее место, нежели вокальная: Инструменты в фольклорной традиции используются в основном либо в быту пастухов, либо для аккомпанемента некоторых видов танцев и песен. Наиболее распространенные струнные инструменты — гудок, гусли. Наиболее известные духовые инструменты: В летописях упоминаются также военные трубы, охотничьи рога, бубны. Для этих песен характерна жесткая регламентация кратких ладовых и ритмических формул в каждом цикле, большая их устойчивость; здесь сохраняются древнейшие бесполутоновые и узкообъемные звукоряды. Древнее происхождение имеют также эпические жанры — былины старины , скоморошины, некоторые виды духовных стихов, а также некоторые исторические песни. Коренная эпическая традиция дожила до 20 века в устном крестьянском творчестве в основном на русском Севере, а также у донских казаков. Наиболее сложным в музыкальном отношении жанром русского фольклора является лирическая песня и ее высшая форма — протяжная, которая предположительно сложилась в вв. С этим видом связывают возникновение народного многоголосия полифонического или гетерофонного подголосочного типов с участием солирующих голосов. Весьма развитыми в мелодическом отношении являются также некоторые виды плачей, входящих в свадебный обряд, и плачей погребальных: Частушка особенно ярко раскрывает душу русского человека, распахивает целый мир человеческих характеров, переживаний, страстей. Будучи откликом на какое-либо событие, обращенная к определенному лицу или слушателям, частушка отличается прямотой высказывания, реалистичностью, экспрессией. Романс - это вокальное сочинение, написанное на небольшое стихотворение лирического содержания, преимущественно любовного. Но форме романс схож с песнью; как и последняя, он пишется в коленном складе, но в нем не обязательна та квадратура, та четность тактов, которые преследуются в песне. В романсе допускаются отступления в виде т. Вокальная партия романса имеет ясное и рельефное мелодическое очертание и отличается певучестыо. В романсе обращает внимание передача общего настроения текста, чем подробная иллюстрация его деталей. Интерес главным образом лежит в мелодии, а не в аккомпанементе. Романс пишется для пения с аккомпанементом одного инструмента, преимущественно фортепиано, важнейший жанр камерной вокальной музыки. Но он встречается и в операх например Р. Романс развился из песни, это - продукт новейшего времени. Шуберт, Шуман, Мендельсон, Брамс, Григ, Массене, Гуно - лучшие представители романса на западе. Из русских композиторов замечательные образцы в этом роде дали Глинка, Даргомыжский, Чайковский, Рубинштейн. Первые сборники народных песен были изданы в России во второй половине 18 века: Львова и Ивана Прача. В дальнейшем широкой известностью пользовались собрания народных песен Д. Еще ранее, в середине 18 веке, был составлен первый рукописный сборник былин, исторических песен, духовных стихов и др. Одним из первых фольклорных коллективов в России стала Славянская капелла Д. Агренева-Славянского, которая пропагандировала русскую и славянскую народную песню в России и за рубежом. В начале 20 веке возникли — Оркестр русских народных инструментов В. Андреева и Русский народный хор М. Детский фольклор - это специфическая область народного творчества, объединяющий мир детей и мир взрослых, включающий целую систему музыкально-поэтических жанров фольклора. Колыбельная песня предназначена младенцу, поет ее мать. Назначение колыбельных песен убаюкать, усыпить ребенка. Творцами колыбельных песен преимущественно являются матери и бабушки, а пользуются ими все, кто нянчит детей. Детям, лежащим в колыбели, слова песни еще непонятны, но нежность, вложенная в мелодию и слова пробуждает их душу и сердце, как бы готовит почву, создает благоприятные условия для последующих воспитательных воздействий. Колыбельная песнь - величайшее завоевание народной педагогики, она нераздельно соединена с практикой воспитания детей именно в том самом нежном возрасте, когда ребенок - еще беспомощное существо, требующее постоянного заботливого внимания, любви и нежности, без которых он просто не выживет. Основное содержание колыбельных песен - любовь матери к своему ребенку, ее мечты о его счастливом будущем. Колыбельные песни народов собирались плохо, утеряны многочисленные импровизации, отличавшиеся, как можно полагать, изумительными поэтическими и педагогическими достоинствами. Заслуживающими внимание являются пестушки и потешки. В них подрастающий ребенок всецело занимает внимание взрослого. Пестушки получили свое название от слова пестовать - нянчить, носить на руках. Это короткие стихотворные припевы, которыми сопровождают движения ребенка при пестовании. Пестушки - произведения, предназначенные для сопровождения физических упражнений и гигиенических процедур, необходимых для младенца. Ритмичные, веселые приговоры, соединенные с приятными для ребенка поглаживаниями потягушки после сна , бодрыми или плавными движениями ручек и ножек лунь плывет, сова летит , доставляли удовольствие и развивали как физически, так и эмоционально. В потешках - первых играх взрослых с маленькими детьми - поэтические произведения соединяются с простейшим сюжетом, в котором персонажами становятся пальчики, ручки, ножки малыша, руки того, кто его забавляет Ладушки, Сорока-ворона, Коза рогатая, Ехал мальчик маленький. От потешек они отличаются тем, что не связаны с игровыми действиями, а привлекают внимание ребенка исключительно поэтическими средствами. По содержанию прибаутки - маленькие сказочки в стихах с обилием интересных ребенку антропоморфных персонажей. Собственно детский фольклор включает несколько жанровых объединений. Календарный объединяет заклички и приговорки , воздействующие на природу. Игровые жанры составляют самую значительную по количеству произведений, разнообразию их типов и форм часть детского фольклора. Игровые припевы и приговорки по своему происхождению глубоко уходят в древность, отражая старинные обрядовые обычаи и игры. Традиционные детские игры были тесно связаны с жизнью и бытом крестьян, имитировали охоту, посев и обработку льна, свадебные обряды и др. Отрочество - период детства, наименее богатый фольклорными произведениями. Среди детей подросткового возраста более всего распространены веселые, шуточные песни: Однако это отнюдь не означает, что в репертуаре подростков отсутствовали песни с серьезным содержанием, прививающие детям моральные убеждения, вызывающие у них чувство жалости и сочувствия, искреннее желание помочь человеку в беде, призывающие к борьбе за свободу и человеческое достоинство. Во многих песнях подростков воспеваются трудолюбие, смелость, храбрость, решительность и т. У подростков есть и своя поэзия. Это - жеребьевки, скороговорки, считалки, дразнилки в многочисленных разновидностях. В считалках строго соблюдаются созвучия и ритм, художественная функция их - именно в своеобразной игре словом и ритмом, для которых характерна бойкость и красочность. При исполнении считалок дети оформляют их какой-либо простейшей мелодией, а порою просто используют мелодию той или иной известной детской песни. В этих жанрах особенно проявилась творческая фантазия детей, хотя толчком для нее часто становились произведения, созданные взрослыми. Дети нередко пользуются дразнилками и поддевками. Это своеобразная форма детской сатиры, в которой высмеивается обидчик или капризный ребенок, неподчиняющийся правилам игры. Они способствуют психологической закалке ребенка, помогая ему найти свое место среди сверстников с помощью испытания острым на детский взгляд словом. Дразнилка - унаследованный от взрослых жанр, который включает также прозвища, клички, присловья. Содержание дразнилок почти всегда смешное. В редких случаях дразнилки или какой-то элемент их оформлялись простейшей мелодией, то есть по характеру были близки к шуточным песням. Некоторые дразнилки осуждают отрицательные качества и явления: Ребенок, умеющий за себя постоять, найдет и подходящий ответ обидчику, отговорку: Поддевки - тоже вид сатирического детского фольклора. Они представляют собой диалог, в котором человек ловится на слове Скажи Медь! Современная детская устная культура все более обособляется от культуры взрослых, изменяются типы отношений между двумя этими формами культуры. Происходит переориентация на другие фольклорные жанры взрослых - частушку, анекдот, песни-переделки, а также на произведения, созданные профессиональными авторами. Взрослея, забывают детский фольклор так, как будто его никогда и не было в их жизни. На место повзрослевших приходят новые поколения детей. А детский фольклор живет долго, иногда - очень долго. Пение вокальное искусство - исполнение музыки голосом, искусство передавать средствами певческого голоса идейно-образное содержание музыкального произведения, один из древнейших видов музыкального искусства. Пение может быть со словами и без слов. Обычно пение сопровождается инструментальным аккомпанементом, но может осуществляться и без него - а капелла. Для исполнения профессиональной музыки голос должен быть специально приспособлен и развит. В лёгкой музыке соответственно существуют жанр оперетты и эстрадный жанр, включающий множество стилей пения в народной манере, говорком, нараспев, в микрофон и др. Применяется в опере, оратории, кантате. Речитативные интонации встречаются и в песнях, инструментальной музыке и монологи ;. Пение без слов — вокализ от франц. Vocalise - гласный звук , музыкальное произведение для пения без слов на гласный звук, обычно упражнение для развития вокальной техники. Известны и вокализы для концертного исполнения. Различные национальные школы пения характеризуются своим стилем исполнения, манерой звуковедения и характером певческого звука. Национальная школа пения как исторически сложившееся стилистическое направление оформляется тогда, когда возникает национальная композиторская школа, выдвигающая перед певцами определённые художественно-исполнительские требования. В национальной манере пения находят отражение исполнительские традиции, особенности языка, темперамент, характер и др. Первой европейской школой пения была итальянская - она сложилась в начале 17 века. Выделяясь совершенной техникой бельканто и блестящими голосами, многие её представители получили мировое признание. Вокальность итальянского языка и удобство для голоса итальянских мелодий позволяют максимально использовать возможности голосового аппарата. Итальянская школа выработала эталон классического звучания голоса, которому в основном следуют остальные национальные школы пения. Высокое совершенство итальянского певческого искусства оказало влияние на формирование и развитие других национальных вокальных школ - французской, отличительную особенность которой составляют декламационные элементы, происходящие от распевной декламации актёров французской классической трагедии, немецкой, в своём развитии отвечавшей требованиям, которые ставила перед исполнителями вокальная музыка крупнейших немецких и австрийских композиторов, самобытной, ведущей начало от манеры исполнения народных песен, русской школы. Русская вокальная школа оформилась под влиянием художественных требований искусства русских композиторов-классиков М. Исполнительский стиль её выдающихся представителей Ф. Хоровое пение - достаточно специфическая область искусства, имеющее в своей основе идею приобщения к музыке посредством коллективного пения. Через голос человек выражает всю гамму своего чувственного мира, все богатство и разнообразие эмоциональных состояний. А пение в хоре - это общение между людьми именно на уровне этих чувств и состояний, общение, не нуждающееся в словесных пояснениях. Хоровое пение у наших предков занимало главенствующее место на праздниках, в богослужениях, в театральных зрелищах. Участие в хоре считалось священным долгом. Именно хоровое искусство укрепляло самые лучшие качества в человеке, воспитывало нравственную красоту и очищало душу. В средние века отношение к искусству определялось влиянием церкви, но даже на этом переломном этапе церковь не отвергала, а, наоборот, преклонялась перед чудотворным воздействием хорового пения. Люди видели в этом искусстве удивительную силу - сплачивать людей, объединяя их через унисонное пение, примиряя враждующих и соединяя их в дружбу. Певцы в хор набирались по велению души и сердца. Хоровое воспитание укрепилось в жизни человека, оно являлось единственной отрадой и отдушиной для раскрытия глубоких душевных чувств. Каждая эпоха принимала данную эстафету как реликвию времени, насыщая ее лучшим. Эпоха Возрождения укрепила хоровое пение, усложнив его многоголосием. Постепенно хоры обосновывались в светской жизни; они стали звучать на приемах и балах. В русской музыкальной культуре хоровое пение главенствовало, и до XVIII века хоровой жанр успешно развивался. Все хоровые коллективы можно разделить на профессиональные, любительские, бытовые. Первый русский профессиональный хор был основан в XV веке - хор государственных певчих дьяков. В начале XVIII века на его основе в Петербурге была создана Придворная певческая капелла. Этот коллектив, а также Синодальный хор в Москве сыграли значительную роль в развитии хорового искусства России. В XIX веке появляются и светские капеллы - хоры Ю. В году М. Пятницкий организовал народный хор, который стал первым народным профессиональным музыкальным коллективом. Участники академических профессиональных коллективов специально обучаются пению, их голоса звучат ровно на всех участках диапазона; диапазон может достигать двух октав. Они владеют певческим дыханием, дикцией, динамикой и другими вокальными навыками. К профессиональным хорам относятся также ансамбли песни и пляски и народные хоры. Бытовые хоры , как правило, организовывались по принципу совместной трудовой деятельности или места жительства. Так, например, в деревнях старой России во время полевых работ или отдыха возникал хор. Среди работающих находился талантливый запевала, который начинал песню и вёл её до конца. Все остальные, внимательно слушая ведущий голос, подстраивались к нему, украшая его своим мелодическим узором и лилась песня, исполненная великой любви к жизни. Такой самодеятельный, как принято теперь называть, хор существовал практически в каждой деревне, в каждом селе. Любительские хоры - это коллективы, состоящие из певцов, для которых пение в хоре не является профессией. Они возникли во многих странах в связи с организацией специальных хоровых обществ. Многие любительские хоры достигают высокого уровня исполнительства, и нередко композиторы доверяют им исполнять свои сочинения впервые. В СССР любительское хоровое искусство получило необычайный размах. Хоровые коллективы были в университетах, институтах, средних специальных учебных заведениях и школах. Тип хора определяется в зависимости от того, какие партии его составляют. Хор, состоящий из женских голосов, называется однородным женским хором. Аналогично — мужской хор называется однородным мужским, а хор, состоящий из мальчиков и девочек, называется детским хором. Существует традиция исполнения произведений, написанных для детского хора, женским составом и наоборот. Хор, состоящий из мужских и женских голосов, называется смешанным хором. К типу смешанных хоров относятся также неполные смешанные хоры. Неполные смешанные хоры - это такие хоры, где отсутствует какая-либо одна из партий. Чаще всего это басы или тенора, реже - какие-либо из женских голосов. Обычный смешанный хор состоит из четырёх партий: Каждая партия в свою очередь может делиться на несколько самостоятельных групп в зависимости от партитуры исполняемого сочинения. Количество партий в хоре определяет его вид: Уменьшение и увеличение числа реально звучащих партий путем дублирования или, наоборот, разделения может дать новые виды хора. Дублирования и разделения могут быть как постоянные, так и временные. Хоровая партитура с нестабильным изменением количества голосов будет иметь вид, называемый эпизодическим одно-, двух-, трех-, восьмиголосием, с обязательным указанием стабильного числа голосов например, однородный двухголосный женский хор с эпизодическим трехголосием. Минимальный состав хора - 12 человек по три человека в партии , максимальный - человек. Иногда несколько коллективов объединяются в сводный хор. В таком хоре поют , , , человек. Сводные хоры выступают на больших праздничных концертах, на праздниках песни. Давно известно, что голоса мальчиков, прошедшие специальную подготовку, отличаются замечательной подвижностью, красотой, серебристостью звучания. Именно на эти качества детских голосов обратило внимание духовенство и включило мальчиков в церковные хоры. Такие капеллы существовали во многих странах Европы уже в средние века, а с XVIII века и в России. Для подготовки малолетних певчих создавались специальные школы. Кроме простых хоров существуют также многохорные составы, когда в исполнении произведений одновременно участвуют несколько хоров, имеющих самостоятельные хоровые партии. Такие многохорные партитуры особенно часто встречаются в оперной музыке. В православной музыкальной практике также существует традиция сочинения так называемых антифонных антифонное пение буквально — звук против звука — тип исполнения, при котором попеременно звучат два хора, например, левый и правый клиросы в православной церкви произведений, при которой два хора поют, как бы отвечая друг другу. Такие составы называются соответственно: Камерная музыка - это инструментальная или вокальная музыка для небольшого состава исполнителей: Камерная музыка развилась рядом с оркестровой с XVI столетия и тяготела более к инструментальной, чем к вокальной музыке. В первоначальном значении камерная музыка была предназначена для исполнения в относительно небольших преимущественно домашних помещениях — в отличие от музыки, предназначенной для исполнения в церкви, театре или большом концертном зале, почему число исполнителей весьма ограничено, инструменты выбираются не особенно сильные по звуку, например струнные квартеты, квинтеты, секстеты, октеты , гораздо реже духовые деревянные квинтет Моцарта для кларнета со струнными, квинтет Бетховена для фортепиано, гобоя, кларнета, фагота, валторны, его же септет es-dur для фортепиано, скрипки или альта, виолончели, контрабаса, кларнета, фагота, валторны. Постоянное исполнение камерной музыки в публичных концертах изменило значение термина. Период с по гг. Среди дошедших до нас сочинений этого периода, написанных специально для инструментальных составов без голосов, — фантазии Орландо Гиббонса и канцоны и сонаты Джованни Габриели. Среди мастеров трио-сонаты этого периода — Арканджело Корелли, Генри Пёрселл и Гендель. Период с года и до современности, в котором доминирует струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. Основная структура современной камерной музыки — почти всегда трех- или четырехчастный сонатный цикл. Свободные, часто программные формы, пристрастием к которым отмечена оркестровая музыка в 19 века, мало повлияли на камерные жанры, поскольку ограниченные тембровые возможности камерных ансамблей не предоставляли больших возможностей для создания оригинального колорита и сильных драматических эффектов. Современный камерно-инструментальный репертуар до сих пор имеет в своей основе сочинения классиков: В послеклассический период большинство крупных композиторов, принадлежавших к разным направлениям романтизм, импрессионизм и экспрессионизм , писали камерную музыку, но все же в общераспространенном репертуаре закрепились лишь отдельные ее образцы: К камерным относятся также некоторые жанры для соло с аккомпанементом: Штрауса, , подразумевающая небольшое число исполнителей и камерную атмосферу действия. Струнная камерная или так называемая квартетная музыка достигла апогея своего развития в особенности при Бетховене. После Бетховена камерную музыку писали Шуберт, Мендельсон, Шуман, Брамс, Сен-Санс и др. В России в этой области работали Глинка, Рубинштейн, Чайковский, Бородин, Афанасьев, Кастриот-Скандербек, Римский-Корсаков, Глазунов, Танеев, Аренский, Направник. Для поддержания этого искусства неоднократно назначались в Санкт-Петербурге конкурсы Императорским Русским Музыкальным Обществом и обществом камерной музыки, к этой области относятся также романсы для пения, небольшие фортепианные пьесы, сонаты для фортепиано или фортепиано и струнного инструмента. Исполнение камерной музыки должно отличаться большой тонкостью, детальностью. Настоящая камерная музыка, в соответствии с современным взглядом, носит сосредоточенный, углубленный характер, поэтому камерные жанры лучше воспринимаются в небольших помещениях, в свободной обстановке, нежели в обычных концертах и в неподходящей для подобной музыки акустической среде больших залов. Эта отрасль музыкального искусства, требующая тонкого знания форм, гармонии, контрапункта, выработалась в более позднее время, под влиянием величайших музыкальных гениев. Симфоническая музыка - музыкальные произведения, предназначенные для исполнения симфоническим оркестром. Включает крупные монументальные произведения и небольшие пьесы. Симфонический оркестр, большой коллектив музыкантов, включает три группы инструментов: Классический парный, или двойной состав малого симфонического оркестра сложился в творчестве Й. Гайдна духовые парного состава, литавры и струнный квинтет. Современный малый симфонический оркестр может иметь ненормированный состав. В большом симфоническом оркестре с начала 19 века расширены группы духовых, ударных, введены арфы, иногда рояль; группа струнных смычковых численно увеличена. Название состава симфонического оркестра определяется по числу инструментов каждого семейства духовых парный, тройной и т. Обычно состоит из 4 частей. Классический тип симфонии сложился в конце 18 - начале19 вв. У композиторов-романтиков большое значение приобрели лирические симфонии Ф. Мендельсон , программные симфонии Г. Важный вклад в развитие симфоний внесли западноевропейские композиторы вв.: Значительное место занимают симфонии в российской музыке: Циклические формы инструментальной музыки , - музыкальные формы, складывающиеся из нескольких относительно самостоятельных частей, раскрывающих в совокупности единый художественный замысел. Сонатная циклическая форма состоит, как правило, из четырех частей — быстрой 1-й в сонатной форме, медленной лирической 2-й, быстрой 3-й скерцо или менуэт и быстрой же 4-й финал. Такая форма характерна для симфонии, иногда сонаты, камерного ансамбля сокращенная циклическая форма без скерцо или менуэта типична для концерта, сонаты. Другой тип циклической формы образуют сюита, иногда вариации оркестровые, фортепианные , в которых количество и характер частей могут быть различными. Встречаются и вокальные циклы серии песен, романсов, ансамблей или хоров , объединенные сюжетом, словами одного автора и др. От сонаты и симфонии сюиту отличает отсутствие строгой регламентации количества, характера и порядка частей, тесная связь с песней и танцем. Встречаются сюиты, составленные из музыки опер, балетов, а также музыки к театральным постановкам. Симфоническая поэма - жанр симфонической программной музыки. Одночастное оркестровое произведение, в соответствии с романтической идеей синтеза искусств допускающее разнообразные источники программы литература, живопись, реже философия или история. Создатель жанра — Ф. Программная музыка - музыкальные произведения, которые композитор снабдил словесной программой, конкретизирующей восприятие. Многие программные сочинения связаны с сюжетами и образами выдающихся литературных произведений. Опера - это пьеса, в которой партии поются. В опере соединены музыка, слово и сценическое действие, причем музыке, как правило, отводится преобладающая роль. Возникла в Италии на рубеже 16 и 17 веков. В ходе исторической эволюции выработаны разнообразные оперные формы: Иногда опера включает балетные сцены, разговорный диалог, мелодраму. Некоторые виды оперы тесно связаны с определенной национальной культурой и эпохой — итальянская опера-сериа серьезная , опера-буффа комическая , французская большая опера, опера-комик, лирическая опера, немецкая и австрийская зингшпиль, английская балладная опера. Первые русские оперы появились во второй половине 18 века. Главные партии в опере исполняются солистами, но существует еще хор. Оркестр играет самостоятельно в начале оперы и перед каждым новым действием. Он аккомпанирует певцам и действию оперы. Исполняемая перед началом оперы музыка называется увертюрой или прелюдией. В опере два вида сольных партий. Ария напоминает длинную песню. Речитатив звучит как декламирование под музыку. Полное содержание оперы называется либретто. Партитура - это музыка к опере, записанная целиком. Важнейший предшественник оперы — итальянская интермедия. Жанр оперы сложился в творчестве флорентийских музыкантов и поэтов конца 16 века, объединенных стремлением возродить античный род выразительного сольного пения с простым инструментальным сопровождением. В х годах опера начала терять статус аристократического развлечения. Первый общественный оперный театр открылся в в Венеции. В х годах установилась схема оперной арии из трех разделов ABA или ABB. Aрии заняли в опере господствующее положение, вытеснив ариозо, с другой стороны, речитативы утратили мелодичность и по характеру декламации приблизились к речи. Сюжеты стали более разнообразными, их развитие - более интенсивным и энергичным. Важное место в спектаклях отводилось ярким зрелищным эффектам. Венецианский оперный стиль, представленный творчеством Кавалли, Дж. Большое значение для его популяризации имела деятельность странствующих трупп. С года такие труппы начали действовать в Неаполе, и вскоре этот город стал главным соперником Венеции как центра оперного искусства. Около года по всей Италии утвердился более или менее единый оперный стиль, состоящий из трех актов. Внутри актов речитативы чередуются с ариями, причем последние почти всегда выдержаны в трехчастной форме ABA так называемая ария da capo. Дуэты и ансамбли для большего числа солистов редки. Во Франции - стране, где танец традиционно преобладал над пением, развитие оперы пошло по иному пути. Французская опера раннего барокко, представленная прежде всего, так называемыми лирическими трагедиями любимого композитора Людовика XIV Ж. Люлли - это относительно короткий спектакль на героический или мифологический сюжет. В такой опере пять актов, и она непременно включает торжественные сцены с хорами и балетом, не имеющие прямого отношения к сюжету и призванные отразить величие короля. Как во Франции, так и в Германии конца 17 века широко ставились итальянские оперы. Немецкие композиторы этого и более позднего времени писали также оперы на итальянские тексты. Вместе с тем, после года, когда в Гамбурге открылся оперный театр, в Германии умножилось число опер на немецком языке. Ведущим гамбургским оперным композитором начала 18 века был Райнхард Кайзер. Для гамбургского театра были написаны первые оперы-сериа Г. Музыка опер-сериа организована согласно устойчивому набору правил: На протяжении большей части 18 в. Создателями большинства оперных спектаклей были музыканты и поэты, состоявшие на службе в театрах; они широко использовали чужую музыку и непременно учитывали требования ведущих певцов-солистов, прежде всего кастратов и сопрано, чье бельканто служило главной приманкой для публики. С течением времени они начали существенно влиять на оперу-сериа, которая эволюционировала в направлении более свободной и гибкой трактовки стандартных сюжетных ходов и музыкальных форм. Строгая схема арии da capo подверглась значительным модификациям; появились совершенно новые разновидности арии; возросло значение речитатива с оркестровым сопровождением и хора. В конечном счете наступило фактическое слияние итальянских и французских стилистических черт. Главными этапами этого эволюционного процесса стали оперные реформы Т. Йоммелли и особенно К. Речитативы с оркестровым сопровождением, ариозо и арии не разделены в этой опере резкими границами, а отдельные эпизоды — в том числе танцы и хоры — объединены в крупные сцены со сквозным драматическим развитием. Важное значение для истории оперы имела и реформа венецианского драматурга К. Гольдони и его соотечественника, композитора Б. Галуппи - создателей более сложной и богатой разновидности оперы-буффа, известной под жанровым наименованием веселая драма. Высший синтез оперы 18 века был достигнут в зрелом творчестве В. Вкусами широкой публики был предопределен и расцвет французского романтического жанра grand opera с захватывающими сюжетами, колоритной оркестровкой и масштабными хоровыми сценами. В Германии особой популярностью пользовались оперы на сказочные и фантастические сюжеты. В 19 веке на востоке Европы сложились новые значительные оперные школы - русская, чешская, позднее также польская, венгерская и др. На ранних этапах становления они опирались на национальную историю и фольклор и в то же время активно ассимилировали западноевропейский опыт. В 20 веке способность традиционных оперных форм к обновлению и развитию была убедительно доказана творчеством таких композиторов, как Р. Тогда же возникло множество новых жанров музыкально-театрального искусства, в т. Балет - вид сценического искусства, содержание которого раскрывается в танцевально-музыкальных образах. Это вид театрального представления, который соединяет в себе несколько вещей: Некоторые балеты имеют сюжет, другие просто отражают идею или настроение. Балету около лет, начал формироваться в Европе в 16 веке. Он возник в Италии, но совершенно отличался от балета сегодняшнего. В те времена балет был формой дворцовых развлечений. Король Людовик XIV с тринадцати лет принимал участие в балетах. Жившее сначала лишь при дворе, искусство расширяет понемногу ряды своих зрителей, на балеты допускается публика. В балетах выступают уже не только придворные, но все больше профессиональные танцовщики. По мере того как представление выходит за рамки двора, женские роли начинают исполнять мужчины. Меняется и облик балетов. Таким образом, первыми балетными танцорами были королевские и титулованные особы, профессиональных танцоров не было. Танцевальные па были взяты из элегантных, но довольно простых придворных танцев того времени, и танцоры не надевали танцевальные туфли. Однако такие танцы не называли балетом до начала правления короля Генриха III во Франции. В году королева Екатерина Медичи приказала устроить грандиозные празднования в честь королевской свадьбы. Был устроен захватывающий балет, в котором участвовали сотни танцоров, певцов и актеров. Он был поставлен итальянским музыкантом Божуолем, который был, вероятно, первым хореографом или постановщиком танцев. Итальянец Джованни Баттиста Люлли был первым, кто понял, как много музыка в балете может значить. Люлли стал сочинять музыку для всего балета в целом, и уже это придавало осмысленность и единство всей композиции. А хореографом балетов Люлли был Пьер Бошан, талантливый музыкант. Сложилось редкое даже для тех времен сотрудничество: Люлли и Бошан прибавили к картинным выходам танцующих и групповым фигурным танцам, так сказать, танцевальную арию, в которой грация, смена настроений и темпов проявлялись уже не только переменами в строении групп, а гораздо больше переменами в танце одного танцовщика, от которого требовалась теперь истинная виртуозность. Все более важную роль в танце играет прыжок. Подлинное становление балетного театра началось в эпоху классицизма. Свойственное этому стилю стремление к логичности и разумности побуждало и танец к осмысленному драматургическому строю. Балетный театр начинается там, где движения упорядочиваются, и, пожалуй, первым, кто упорно занялся их систематизацией, был Пьер Бошан. Систему свою он не выдумал, он, скорее, собирал, соединял движения, известные задолго до него, но, соединяя их, придавал им такую форму, чтобы они легко сопоставлялись и перекликались друг с другом. Создавая свой балет как самостоятельное искусство, живущее партнерством музыки и танца, Люлли и Бошан не напрасно сотрудничали с величайшим драматическим поэтом XVII века Мольером. Новый балет не только заимствовал у словесной драматургии сюжеты, но учился у нее композиции, учился осмысленно связывать и сопоставлять отдельные эпизоды сюжета. Некоторые комедии Мольера — это комедии-балеты, где драматические сцены чередуются с танцами. Хотя Мольер сохранил пристрастие к балету до конца дней, балет продолжал жить так, как его устроили Люлли и Бошан. И так продолжалось более ста лет. Французский балет XVII века положил начало понятиям о канонических основах, о незыблемых правилах сценического танца, без которых самостоятельный балетный театр не мог бы существовать. Расцвет балета связан с романтизмом, начиная со второй трети 19 века, с выдающихся балетмейстеров - Ф. Тальони, ставившего балеты для своей дочери Марии С года ведущая солистка Парижской оперы. В 42 гг. Гастролировала во многих городах Европы. В историю театра вошла как выдающаяся романтическая балерина, впервые использовавшая танец на пуантах как средство художественной выразительности , Ж. В России 19 веке высшие достижения балета связаны с балетмейстерами Ш. Петипа в году перебрался в Петербург, в котором жил до конца жизни, с по гг. Долгие годы сотрудничая со штатными балетными композиторами, только в году Петипа впервые соприкоснулся с серьезной симфонической музыкой. По желанию директора императорских театров И. Уже после смерти композитора вместе с балетмейстером Л. Петипа не только выдающийся хореограф, создавший золотой фонд классического наследия, который до сих пор составляет основу репертуара крупнейших балетных трупп мира. Он также вдохнул новую жизнь в балеты своих предшественников, сохранив их для потомков: Они записаны на видеокассетах в исполнении лучших балерин и танцовщиков мира. Наиболее известные русские артисты 1-й половины 19 века: Санковская, конца 19 века - М. Кшесинская в году окончила балетное отделение Петербургского театрального училища. На выпускном вечере с ней познакомился наследник российского престола, будущий император Николай II, с которым у Кшесинской возник непродолжительный, но бурный роман. В танцевала в Мариинском театре. Ее танец отличала яркая артистичность, жизнерадостность. В начале х гг. После Февральской революции вынуждена была покинуть свой особняк, который занял Петроградский комитет большевиков, благодаря чему он вошел в советскую историю. В году эмигрировала из России. В году открыла свою студию в Париже, где у нее брали уроки классического танца такие знаменитые танцовщицы, как И. Начало 20 века ознаменовано реформаторской деятельностью балетмейстеров М. Дягилев родился в дворянской семье, которая увлекалась музыкой, театром, искусством. Сам Дягилев хорошо пел, играл на фортепиано, рисовал, хотя был просто любителем в разных областях искусства. В окончил юридический факультет Петербургского университета, параллельно занимаясь в консерватории. Дягилев занимался организацией выставок старинного русского портрета сначала в России, потом за рубежом, а также ежегодными концертами русских артистов за границей. В последующие годы он стал вывозить только балет, который пользовался огромным успехом. В течение 20 лет в его антрепризе работали самые выдающиеся балетмейстеры своего времени — М. Фокин для дягилевской антрепризы он создал свои лучшие балеты , В. Многих воспитал сам Дягилев. Он всегда был чуток ко всему новому. Именно Дягилев привел в балет лучших художников эпохи. Для сотрудничества Дягилев привлек также крупнейших музыкантов и начинающую талантливую молодежь. У него работали М. Дягилев привлек начинающих русских композиторов: У Дягилева танцевали лучшие балерины и танцовщики Мариинского и Большого театров, поначалу совмещая выступления на казенной сцене и зарубежные гастроли. Впоследствии многие из них перешли к Дягилеву, спасаясь от рутины императорской сцены. У Дягилева блистал весь цвет русского балета — А. Именно благодаря гастролям труппы Дягилева балетное искусство пережило ренессанс. Дягилев оказал огромное влияние на формирование всего балетного искусства 20 века, на отношение к нему серьезных художников. Созданные в его антрепризе балеты до сих пор являются украшением крупнейших балетных сцен мира. Они идут в Москве, Петербурге, Париже, Лондоне, Нью-Йорке. О Дягилеве пишутся романы, создаются кинофильмы, театральные представления. Он доказал, что быть импресарио — великое искусство. В числе наиболее известных российских мастеров: Камерная инструментальная музыка 1-й половины ХХ в. Музыка как вид искусства Реферат: Музыка как вид искусства Содержание 1. К самым поздним жанрам относятся получившие распространение с 19 века: Детский фольклор Детский фольклор - это специфическая область народного творчества, объединяющий мир детей и мир взрослых, включающий целую систему музыкально-поэтических жанров фольклора. Вокальное искусство Пение вокальное искусство - исполнение музыки голосом, искусство передавать средствами певческого голоса идейно-образное содержание музыкального произведения, один из древнейших видов музыкального искусства. Существуют три основных типа построения вокальных мелодий и соответственно три манеры пения: Речитативные интонации встречаются и в песнях, инструментальной музыке и монологи ; колоратурный стиль , где мелодия в известной мере отходит от слова и уснащается многими украшениями, пассажами, исполняемыми на отдельные гласные или слоги. Хоровая музыка Хоровое пение - достаточно специфическая область искусства, имеющее в своей основе идею приобщения к музыке посредством коллективного пения. Камерная музыка Камерная музыка - это инструментальная или вокальная музыка для небольшого состава исполнителей: В истории камерной музыки просматриваются три периода: Симфоническая музыка Симфоническая музыка - музыкальные произведения, предназначенные для исполнения симфоническим оркестром. Балет Балет - вид сценического искусства, содержание которого раскрывается в танцевально-музыкальных образах. Список использованной литературы 1.
Сайт истории ростова на дону
Сколько можно сделать комнат из 20 футов
Где получить водительское удостоверение в москве
Стихио любви короткие легкие
Мир мебели муром каталог